Tindersticks - Tindersticks (1993)

El disco que toca hoy pertenece a un grupo "extraño", y digo extraño porque es un grupo muy dificil de clasificar, no por el hecho o la necesidad imperiosa de meter cada grupo en un saco, pero por discernir el origen de las raices del grupo. Tindersticks es un sexteto de Nottingham que con esté homónimo álbum debutaban en la escena musical con un aire melancólico que recuerda en lo musical a Nick Cave y en la profundidad de sus letras a Leonard Cohen. El grupo se caracteriza por la creación de atmósferas homogéneas en sus discos, adornadas con violines y piano obteniendo así sonidos llenos de romanticismo y lánguida tristeza aderezados por la grave y emocionante voz de un trovador moderno como es Stuart Staples, líder de la banda.
Tindersticks es otro grupo que debo su descubrimiento a un amigo de mi hermano que me grabó algunos temas de este primer álbum en una cinta a modo de relleno de uno de los discos en solitario de Mark Burgess, cantante de The Chameleons. En un principio quise ver similitudes entre ambas bandas pero en realidad salvo en el tono de muchas de las composiciones, nada más lejos de la realidad. Su sonido compuesto con arreglos orquestales, toques de jazz, soul e incluso flamenco en este primer álbum le dan una especie de aire elitista que sin embargo no tiene nada de pretencioso, fluye de sus instrumentos y envuelve los oidos de personas musicalmente inquietas y ávidas de nuevas experiencias sonoras.

Este álbum homónimo fue el primero de la banda y tuvo una gran aceptación principalmente en el Reino Unido y sobretodo por parte de la crítica especializada, no en vano la prestigiosa revista Melody Maker señaló este disco como álbum del año en 1993. Ya desde el primer tema Nectar se nota que estamos ante un sonido especial en el que los arreglos orquestados son evidentes y destacan. Tyed es aún más interesante ya que resulta ser una canción inquietante en la que de fondo a la melodía van escuchándose ruidos de fondo de instrumentos de viento y percusiones hasta que se terminan fundiendo en una especie de caos sonoro pero perfectamente definido y acompasado. A lo largo del álbum se suceden tres cortes de apenas un minuto de duración titulado Sweet, Sweet Man a modo de puntos de paso. La primera gran canción para mi es Whiskey and Water con una introducción estremecedora en la que se alternan una guitarra eléctrica distorsionada y un violín como si ahogaran los pensamientos y el pasado al igual que si tomaramos la bebida que da título a la canción. Blood nos aporta un poco de calma a nuestros sentidos con una suave melodía que contrasta con el tema tratado, la violencia, y suena como preludio a la segunda gran canción del álbum, City Sickness que derrocha belleza sonora.
Patchwork y Marbles son canciones hipnóticas, la segunda con el sonido de órgano Hammond que me evoca sonidos de R.E.M. de la primera fase post Out of Time. A continuación a modo casi de interludio suena el pequeño corte The Walt Blues para cambiar de tercio e irrumpir con fuerza Milky Teeth. Un nuevo interludio y llega otra de mis favoritas, Jism; canción larga con diferentes subidas y bajadas de intensidad en la que el violín tiene un papel destacado en un diálogo que mantiene el interlocutor con la pareja con problemas con las drogas a la que tiene mucho que reprochar, ésta es una canción muy intensa y emotiva. Piano Song nos da un momento de tregua previo a Tie-Dye en la que el violín inicial tembloroso y rasgado vuelve a insuflar desasosiego. Raindrops es un nuevo canto al desamor y la separación de una pareja. Tras un nuevo interludio suenan los acordes  de guitarra española como si estuvieramos en una taberna andaluza para arrancar subitamente y con fuerza Her. Aquí encontramos la conexión de la portada del álbum con el contenido. Tea Stain es otro interludio instrumental para dar paso a la parte final del disco; Drunk Tank es otra canción intensa en la que trata el tema del alcoholismo y los problemas de pareja; Paco de Ranaldo’s Dream un extraño experimento que intercala música y un hombre hablando aparentemente incoherente como si de un sueño se tratara y finalizar con la balada The Not Knowing que nos deja una sensación final de triste felicidad.
La versión en vinilo traía una canción más (Fruitless) que el CD, al contrario de lo que venía ocurriendo habitualmente y es que durante la década de los noventa muchas bandas, fans incombustibles del viejo formato, como treta para intentar resucitar la venta de vinilos añadían bonus tracks en susodichas ediciones.

Un álbum tremendamente atmósférico y homogeneo que resulta dificil que pueda dejar indiferente a aquel que se adentre entre sus surcos.

Tracklist:

    1. Nectar – 2:40
    2. Tyed – 4:11
    3. Sweet, Sweet Man Pt. 1 – 0:41
    4. Whiskey and Water – 5:51
    5. Blood – 4:52
    6. City Sickness – 4:00
    7. Patchwork – 4:40
    8. Marbles – 4:30
    9. The Walt Blues – 1:08
  10. Milky Teeth – 2:52
  11. Sweet, Sweet Man Pt. 2 – 1:05
  12. Jism – 6:03
  13. Piano Song – 2:40
  14. Tie-Dye – 4:00
  15. Raindrops – 6:15
  16. Sweet, Sweet Man Pt. 3 – 1:44
  17. Her – 3:29
  18. Tea Stain – 2:07
  19. Drunk Tank – 4:44
  20. Paco de Renaldo’s Dream – 4:22
  21. The Not Knowing – 4:58
  22. Fruitless *

* Bonus track sólo incluida en la edición en vinilo

Enlaces generales:

Tindersticks -  Oficial, Tindersticks - Wikipedia, Tindersticks - MySpace

Enlaces del album:

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Otros:

Tindersticks - Allmusic review, Tindersticks - Discogs, Tindersticks - Wikipedia (UK)

Nota Allmusic.com: 4,5

Chameleons Vox (The Chameleons) - Barcelona 15/01/2011

Hace diez años, cuando tuve la oportunidad por fin, de ver a mi banda favorita The Chameleons actuar en directo (se separaron en 1987) pensé que sería una ocasión única y me hice con la entrada en cuanto supe que la banda se reunió para hacer una gira europea y editar un nuevo disco. Ahora hace unos meses y gracias a mi novia me enteré de que volvían de nuevo, aunque con matices. Mark Burgess y John Lever habían reunido a una banda con permiso de Reg Smithies y Dave Fielding para hacer una serie de conciertos en Inglaterra. Y como sucediera en el año 2000, la demanda  del  público fue tal (dentro del ámbito en el que tocan, salas pequeñas) que el proyecto se alargó y se montó una gira por Europa y Estados Unidos. Este nuevo proyecto con el permiso de los dos guitarristas fue bautizado con el nombre de Chameleons Vox (voz en latín) y he de decir que el resultado estuvo a la altura y con nota.

Hace algún mes un amigo también muy devoto de ellos les vio en San Francisco y me dijo que la banda reunida estaba a la altura, por lo que la cosa prometía y así fue. Las entradas esta vez me cayeron como regalo de cumpleaños y vaya regalo. Durante poco más de hora y media me sumergí en los sonidos densos e hipnóticos de la banda. Recalco que no estaban ni Reg ni Dave, artífices de esos sonidos característicos gracias a diferentes escalas que afinaban en sus guitarras, pero si hubiera cerrado los ojos y no lo hubiera sabido dudo si lo hubiera adivinado.
Llegamos sobre las 20:30 a la sala Bikini y los teloneros Astradyne ya habían comenzado. Sonaron bien y me recordaron un poco a los primeros años de The Cure sumándole sólidas bases electrónicas que denotaban un sonido muy ochentero que también recordaba a Alphaville y en algunos aspectos a la primera época de Aviador Dro.

Chameleons Vox aparecieron en escena sobre las 21:45 cuando en las entradas ponía las 22:30. Espero que nadie se perdiera la mitad del concierto por este fallo o bien de organización o tipográfico. La ovación fue cerrada para Mark y compañía y me alegró ver que en la batería estaba John Lever ya que en la gira norteamericana no estuvo presente. A pesar de que sea un grupo tan minoritario me asombra lo entregado que es/somos su público en el que se observaba que la edad media oscilaría alrededor de los cuarenta años pero observé que había algunos jovenes probablemente influenciados por grupos como Editors o Interpol. Tras un saludo comenzaron los acordes de A person isn’t safe anywhere these days, Mark se mostró muy enérgico con esta primera canción. Después sonó Paper tigers manteniéndo el tono intenso de inicio y le siguieron Pleasure and pain y Thursday’s child como evocación del primer álbum Script of the bridge. Después llegó la primera sorpresa de la noche, los acordes de Nostalgia inundaban la sala, una canción que oficialmente no pertenece a ninguno de los álbumes oficiales aunque se añadió a la edición en CD del segundo álbum What does anything mean? Basically. Con esta canción casi llego a emocionarme pero no daba tiempo para ello ya que una de mis favoritas, Soul in isolation comenzaba a sonar a continuación y dar paso a la segunda sorpresa de la noche, sonaban los acordes de Tears.

Tears la escuché por primera vez en la versión del single que editaron que no era  la acústica que suena en Strange Times; es una canción que me embriagó desde el primer momento que trata sobre oportunidades que aparecen y personas que encuentras y desaparecen con un tono muy emotivo. Ya solo lo podían superar si sonaba Paradiso (cara B de aquel single) pero nu hubo tanta fortuna. Sonaron dos canciones más de Strange Times a continuación Seriocity e In answer y un paso atrás en el tiempo nos llevó a la existencial Singing rule Britannia que mostró de nuevo que Mark a pesar de la edad se mueve en el escenario con fuerza y soltura, de hecho él nunca ha dejado de salir de gira con sus muchos proyectos que ha llevado a cabo en todos estos años desde la separación oficial de la banda en 1987. El punto y final del primer bloque de canciones no podía ser si no con un clásico de la banda, Second skin que fue coreada por un público entregado por completo.

Y el regreso al escenario no pudo ser mejor que con una canción que el público pedía entre canción y canción. Monkeyland es otro de sus himnos de cabecera y la primera canción que yo escuché de ellos y que quizá hoy se podría interpretar como una metáfora de la relación de la banda con la industria musical, un auténtico canto de soledad aunque amparado por un público entregado y entre el que era evidente el buen rollo que había. Mi chica y yo hablamos y disfrutamos con la gente de alrededor con los que intercambiabamos impresiones o cantábamos con desgarro las letras. Up the down escalator fue la siguiente canción que sonó, otra maravilla del primer álbum y un clásico en sus conciertos que suele anunciar que la cosa se acaba, In shreds, canción rotunda y visceral que ocurre como con Nostalgia que se incoporó a la edición en CD del segundo álbum. Llegó la despedida pero un segundo bis se haría realidad en la que completarían Swamp thing y para acabar definitivamente Don’t fall con la que el público entró en extasis. Ahora tras una emotiva despedida caía el telón y se cerraba este esperado concierto por mi parte.

Durante el concierto Mark se dirigió al público en varias ocasiones. En una ocasión comentó que durante mucho tiempo recordó Barcelona como uno de sus mejores conciertos en 1985 en el desaparecido 666 Club. Y lo más importante preguntó en un momento al público si nos gustaría que volvieran en verano. El público en un primer momento creo que no entendimos bien a que se refería pero a la segunda vez que lo preguntó un "yeeeessss" sonó que me abrió las esperanzas a verles una tercera vez. Ojalá sea así y podamos los fans disfrutar de nuevo de su directo y ojalá se sumen los guitarristas originales a él. Si hicieran Madrid y Barcelona como esta vez y por fechas pudiera hacerlo es probable que me animara a verles de forma repetida.

Editado el 27 de enero de 2010:

Quiero añadir respecto a los comentarios sobre el artículo que he rectificado lo del permiso por las explicaciones que me ha dado ’Themus’ que parece conocer bien los entresijos de la relación de los miembros originales de la banda. Pero también quiero añadir que yo por desgracia como mucha gente no pudo verles en su etapa original porque los conocimos después de su separación (yo en mi caso les conocí en el año 91) y escuchar sus temas en directo es muy especial para mi ya que es una banda que en muy pocos locales se podían escuchar alguna vez algún tema suyo. Este concierto sin tener la magia de la formación original sigo pensando que estuvo a la altura porque las canciones sonaban a ellos y la gente en su gran mayoría creo que así lo disfrutó. Recalco algo que no me había pasado nunca en ningún concierto y es que con el grupo de gente que estaba delante de nosotros cantar juntos sin conocernos y comentar cosas del tipo "oh, que buena esta". Los seguidores de esta banda tenemos carencias de empatía, porque supongo que a muchos nos ha pasado que en nuestro grupo de amigos eramos los únicos que disfrutábamos tanto con The Chameleons. En mi caso mis amigos muchos se daban cuenta de lo bien que sonaban pero no encontraban esa magia entre sus letras y sonidos que a mi me saltaba a la vista y oidos. Por otro lado es cierto que Mark Burgess se ha retroalimentado mucho de The Chameleons en sus múltiples proyectos y eso que ha hecho cosas muy interesantes, como con The Sun And The Moon, como Mark Burgess and The Sons of God y más recientemente con Black Swan Lane y estaría muy bien verle alguna vez tocando material de estas bandas, pero de alguna forma yo vivo enganchado a aquellos discos y cualquier oportunidad de escuchar sus temas en directo la seguiré aprovechando.

A continuación dejo dos videos con fragmentos de todas las canciones que hice con la intención de recordar luego el orden, pero que ha quedado bien en un pequeño montaje. No soy de hacer videos en conciertos pero esta ocasión era especial. En primer lugar el bloque central del concierto y después los ’bises’.

Setlist:

 1. A person isn’t safe anywhere these days
 2. Paper tigers
 3. Pleasure and pain
 4. Thursday’s child
 5. Nostalgia
 6. Soul in isolation
 7. Tears
 8. Seriocity
 9. In answer
10. Singing rule Britannia
11. Second Skin

Encore 1:

12. Monkeyland
13. Up the down escalator
14. In Shreds

Encore 2:

15. Swamp thing
16. Don’t fall

Enlaces generales:

The Chameleons - Oficial, The Chameleons - Wikipedia, The Chameleons - MySpace, Strange Times - Spanish unofficial

Lin Ton Taun - Baneki (1997)

En la década de los noventa hubo una eclosión de grupos vascos muy importante propiciada por la creación del sello independiente Esan Ozenki a cargo de los hermanos Muguruza líderes de la banda Negu Gorriak. Entre ellos yo destacaría a la banda Lin Ton Taun que a partir de sonidos tradicionales vascos de acordeón (trikitixa) mezclaba con rock, punk y hardcore y generaba un sonido muy particular e interesante próximo en sus primeros dos álbumes a bandas tan influyentes como Bad Religion o Pantera y que a partir de su tercer álbum asumirían un grado de madurez a costa de perder un poco la frescura y ese sonido especial y particular que tenían. Aunque todavía se puede atisbar en este tercer álbum que publicaron una versión íntegra en euskera y otra en castellano.

Baneki se publicó como comentaba antes en dos versiones, algo poco habitual en los grupos de Euskadi. Coincidió con el salto a la discográfica DRO con la que trataron de llegar así al mayor público posible, lo cual les supuso críticas desde los sectores más radicales vascos, aunque ellos defendieron su salto como la obra de un escritor que escribe en su idioma y después su obra se traduce a más  idiomas para que sus palabras lleguen a todos los rincones. Venían también de una pausa tras el éxito de su álbum predecesor Nola Esan Dek? por lo que se trató de una decisión meditada. En la grabación contaron con colaboraciones de grupos como Def Con Dos o Narco y se nota que el sonido en general es más duro.
Los textos de las canciones también dieron un giro, pasando de unos inicios más reivindicativos a letras más íntimas y personales. Son el caso por ejemplo de Antzerkia, Revolver, Udazkeneko Hostoak o la desgarradora Sua con un final precioso. En el resto se observan toques de música industrial como en Beharraren Itzala o en Bizitza Bortxatuak llenas de energía y revindicativas. Destaco aparte de las más íntimas la que da título al álbum, Baneki y Goibelaldi por su forma de mezclar las potentes guitarras con el acordeón tradicional vasco.
Este disco lo escuché mucho tiempo y escuchándolo me vienen recuerdos del pasado, así que lo disfruto mucho cuando lo escucho.

Tracklist:

   1. Beharraren Itzala - 2:43 - Bajo la Sombra
   2. Baneki - 3:54 - Oscuras Verdades
   3. Antzerkia - 3:49 - Actuando
   4. Ezina - 4:09 -  En el Límite
   5. Revolver - 3:39 - Revolver
   6. Indarra - 4:20 - Fuerza
   7. Udazkeneko Hostoak - 3:37 - Hojas de otoño
   8. Goibelaldi - 2:14 - Atrapado
   9. Sua - 2:47 - Llama
  10. Desioa - 2:48 - Deseo
  11. Bizitza Bortxatuak - 3:58 - Vidas Violadas

Enlaces generales:

Lin Ton Taun - Wikipedia (Euskara), Lin Ton Taun (Badok)

Enlaces del album:

Last.fm

Otros:

Baneki - Badok

Nota Allmusic.com: No evaluado

Negu Gorriak - Borreroak Baditu Milaka Aurpegi (1993)

Negu Gorriak ha sido uno de los grupos más importantes en los años noventa que ha habido en España principalmente por su eclecticismo musical a la hora de experimentar e incorporar nuevos sonidos a su repertorio y fusionarlos con los que partían de base en el momento de su fundación a cargo de los hermanos Muguruza (Fermin e Iñigo) y Kaki Arkarazo. La nueva banda vasca nacía de las cenizas de Kortatu pero incorporando el hip hop como nuevo elemento fundamental sin olvidar el punk y el ska, aunque con el tiempo incorporarían desde sonidos más metaleros con guitarras profundas y baterías con predominación del doble bombo hasta músicas caribeñas covirtiendo la fusión musical en una de sus señas de identidad principales. Su otra seña son sus letras de contenido combativo y anti-sistema con  clara tendencia hacia la izquierda abertzale e independentista. Es por ello que han sido acusados de ser simpatizantes de la banda terrorista E.T.A. aunque en numerosas ocasiones los mismos componentes de la banda han mostrado su disconformidad con la lucha armada y han condenado acciones de la banda terrorista. En sus letras se pueden encontrar referencias a personas que luchan con las armas pero que se dan cuenta que otros medios son muchos más lícitos y poderosos que la lucha armada.
Volviendo a lo estrictamente musical, la evolución de la banda hacia nuevos sonidos como el hip hop fue debido al interés que despertó en los tres componentes la banda neoyorkina Public Enemy, en lo que fue descubrir una nueva forma de hacer canción protesta más allá del punk con un estilo más contundente y duro. Además vieron la posibilidad de fusionarlo como ya habían hecho puntualmente Anthrax o habitualmente Body Count con intensas guitarras, lo que les convertiría una vez más en pioneros en nuestro país junto con Def Con Dos en lo que se llamó rap-metal.

Borreroak Baditu Milaka Aurpegi fue el tercer disco de la banda y con él alcanzaron un éxito de críticas sin precedentes; practicamente todos los medios estaban de acuerdo en que no sólo era su mejor obra hasta la fecha sino que su sonido y la carga emocional que despedía cautivó incluso a prensa especializada de sectores opuestos ideológicamente hablando. El eco que tuvo el álbum  fue incluso internacional y en webs como allmusic.com llegaría a declarar que era uno de los mejores álbumes de los años 90 que se había hecho. Para la banda este tercer álbum sería la consolidación de su formación como quinteto (Mikel Bap! y Mikel Anestesia) y musicalmente los arreglos de sonido están mucho más depurados que en los dos álbumes antecesores si bien se nota una predominación de sonidos más cercanos al metal itercalados como es habitual por samplers de viejas canciones o discursos de personajes que lucharon por las libertades de su pueblo.
Bi Doberman Beltz y Bost Gehiago son claro ejemplo de planteamiento del álbum, duras y metaleras. Hipokrisiari Stop! fue uno de los singles editados aunque en la edición de siete pulgadas la canción incluía pequeños fragmentos cantados en euskera por Luis Mariano, personaje central de la letra en la que se denuncia la hipocresía con la que trató la dictuadura a este cantante de opereta vasco, perseguido por rojo y homosexual y después reconocido tras lograr éxito en Francia tras su exilio. Dollar Area es un seco y duro alegato contra el capitalismo en el que se entremezclan los primeros rapeos y scratchings. A continuación una de las canciones más desgarradoras del disco, a modo de balada pero con intensas guitarras durante el estribillo suena Itxoiten en la espera de un preso arrepentido por ver a los suyos. JFK es un homenaje al presidente norteamericano y a otros personajes que lucharon por las libertades y da paso a una de mis preferidas Kolore Bizia en lo que es un regreso a los origenes de los componentes de la banda, el ska y que se ha convertido en un pequeño himno antifascista. Sabel-hiztunaren ordu ikaragarria que traducido es "La hora terrorífica del ventrílocuo" es un tema también potente sobre las personas que hablan por otras y Hiltzeko era Ugari toma el texto del poema de Bertold Brecht "Muchos modos de morir" con fondo trash-metal. La canción que da título al álbum fue también el primer single, "El verdugo tiene mil caras" en la que se incorporan los instrumentos de viento y música electrónica para darle un aire dub y acabar con una parte instrumental. Rock & Rollaren Jukutria suena es unos de los temas hardcore del álbum en el que defienden la autogestión de las bandas para evitar el engaño de la industria musical. Ésta engancha directamente con Pistolaren Mintzoa en la que se defiende el poder de la palabra por encima del de las pistolas. Chaquito es una novedad en la discografía de la banda, por primera vez incluyen ritmos latinos en lo que sería un precedente sobretodo en futuros trabajos de los miembros por separado. Otra de mis favoritas es Hemen Izango Bazina, tiene un ritmo y un rasgado de cuerdas cautivador en esta canción de amor y soledad. Kaixo es una canción vibrante y emocionante con la que el hardcore vuelve a hacer acto de presencia en el álbum que se cierra con Arrano Beltza basada en parte de un relato del poeta vasco José Antonio Arretza.
En definitiva un álbum completísimo en el que hay que observar bien los contenidos de las letras y saber leer entrelineas sin caer en la interpretación fácil.

Tracklist:

   1. Bi Doberman Beltz - 3:43
   2. NG Bada - 00:40
   3. Bost Gehiago - 2:58
   4. Hipokrisiari Stop! - 2:17
   5. Dollar Area - 2:50
   6. Itxoiten - 4:23
   7. Dallas-Euskadi 1963 - 00:41
   8. JFK - 4:25
   9. Kolore Bizia - 3:48
  10. No Problem - 00:48
  11. Sabel-Hizturaren Ordu Ikaragarria - 3:56
  12. Hiltzeko era Ugari - 4:15
  13. Denok Gara Malcolm X - 1:40
  14. Borreroak Baditu Milaka Aurpegi - 6:14
  15. Rock & Rollaren Jukutria - 2:53
  16. Pistolaren Mintzoa - 2:48
  17. Erori - 4:09
  18. Chaquito - 3:55
  19. Euskaldunok eta Zientzia - 3:17
  20. Hemen Izango Bazina - 4:31
  21. Kaixo - 2:52
  22. Arrano Beltza - 3:15

Enlaces generales:

Negu Gorriak -  Oficial, Negu Gorriak - Wikipedia, Negu Gorriak - MySpace

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Otros:

Borreroak Baditu Milaka Aurpegi - Allmusic review, Borreroak Baditu Milaka Aurpegi - Discogs, Borreroak Baditu Milaka Aurpegi - Wikipedia

Nota Allmusic.com: 4,5

Joxe Ripiau - Paradisu Zinema (1998)

Joxe Ripiau nació en 1996 como un proyecto paralelo de Iñigo Muguruza, componente de la banda Negu Gorriak junto con su hermano Fermin Muguruza. Anteriormente ya habían formado otra banda mítica como fue Kortatu, por lo que su carrera siempre había ido unida, hasta que durante un viaje de Iñigo por Puerto Rico le inspiró a formar una banda con un sonido que conoció allí llamado "perico ripiau" junto con su también hermano Jabier Muguruza (el mayor de los tres) y Sergio Ordóñez. El terceto convivió con Negu Gorriak unos meses hasta que se anunció su disolución, por lo que el pequeño de los Muguruza se volcaría en este nuevo proyecto. Dos años después se convertirían en cuarteto con la incorporación de Asier Ituarte al trombón.
El sonido de la banda era fundamentalemente latino, con toques de reggae, ska y cumbia y el mayor éxito lo encontraron en Cataluña, ya que el sonido era próximo al de bandas que ya triunfaban allí como Dusminguet o Macaco.
Habiendo seguido la carrera de los hermanos Muguruza desde sus inicios, casi todos los proyectos paralelos o alternativos los he ido conociendo, aunque a Joxe Ripiau tardé en escucharlos, seguramente no fue hasta el año 2000.

El álbum Paradisu Zinema es un homenaje al cine en el que cada una de las canciones que lo componen está basada o inspirada en una película hasta tal punto que entre los cortes se pueden escuchar pequeños samples de escenas de las diferentes películas que inspiran el disco. El título del álbum evoca a la película Cinema Paradiso (Giuseppe Tornatore, 1988) en lo que era una especie de oda dedicada al género conematográfico y la banda así mismo quiso evocar dicho film para titular su particular homenaje.
El amor, el odio y crítica política se pueden encontrar en los versos de las canciones de la banda. Kaiser Sose es una crítica a las dictaduras no solo políticas sino también económicas y Errege Moffin’ una crítica a la monarquía española. Esaidazue, una especie de crítica a las sociedades del primer mundo y  Kabilia Hautsia da Coraçao sobre el asesinato del cantante argelino (bereber) Matoub Lounès son dos de mis favoritas. Habana, Abenduak 31 ahonda en ritmos cubanos y Missing es la más guitarrera del álbum, a la que sigue mi preferida Egun Motela, versión de la canción de otro grupo vasco Itoiz en lo que es una mirada triste y perdida a una sensación de vacío. Piratarena es una tremendista demostración de amor y la alienante Nere Leihotikan con un ritmo muy vivo te pega las ganas de moverte. Chinatown mantiene también un ritmo muy bailable mientras que Afrikan Blues es de las más íntimas del álbum, versión de la canción de Toots Hybert. Vuelven los ritmos más característicos del sur de américa con la cumbia de Kunbia Sol Minor-en en lo que es una denuncia de la explotación que sufren algunos paises por parte de bancos y multinacionales. El álbum cierra con Dantzan Egin Lasai, Norman, una especie de vals y finalmente con la casi canción de cuna susurrada Loa, Loa Garaia.

Un gran disco muy recomendable para personas que les guste el mestizaje y los ritmos fusionados.

Tracklist: (todas compuestas por Joxe Ripiau excepto las indicadas)

   1. Kaiser Sose - 3:42 - Sospechosos Habituales (Bryan Singer, 1995)
   2. Errege Moffin’ - 2:50 - Zelig (Woody Allen, 1983)
   3. Esaidazue - 2:59 -  Casablanca (Michael Curtiz, 1942)
   4. Kabilia Hautsia da Coraçao - 3:31 - Matar a un Ruiseñor (Robert Mulligan, 1960)
   5. Habana, Abenduak 31 - 3:48 - El Guateque (Blake Edwards, 1968)
   6. Missing - 1:57 - Desaparecido (Costa Gravas, 1982)
   7. Egun Motela - 3:57 - Down by Law (Jim Jarmush, 1986)
   8. Piratarena - 3:36 - Rebelión a Bordo (Frank LLoyd, 1935)
   9. Nere Leihotikan - 1:49 - La invasión de los ladrones de cuerpos (Don Siegel, 1956)
  10. Chinatown - 3:13 - Chinatown (Roman Polanski, 1974)
  11. Afrikan Blues - 2:25 (Toots Hybert) - El cielo sobre Berlín (Wim Wenders, 1987)
  12. Kunbia Sol Minor-en - 3:50 - Los Olvidados (Luis Buñuel, 1950)
  13. Dantzan Egin Lasai, Norman - 3:21 - Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960)
  14. Loa, Loa Garaia - 2:59 - La noche del cazador (Charles Laughton, 1955)

Enlaces generales:

Joxe Ripiau - Wikipedia

Enlaces del album:

Last.fm, Grooveshark

Otros:

Paradisu Zinema - GPS Sonoro, Paradisu Zinema - Wikipedia

Nota Allmusic.com: No valorado

Fermin Muguruza - Brigadistak Sound System (1999)

Fermin Muguruza es probablemente el músico más ecléctico de todo el panorama musical vasco y por extensión del panorama español. Su andadura comenzó muy pronto cuando formó junto con su hermano Iñigo el mítico grupo Kortatu, pioneros del llamado rock radical vasco e introductores del ska en España. Tras cuatro años de carrera, junto con su hermano y Kaki Arkarazo, que colaboró con ellos en el último álbum de Kortatu fundaría Negu Gorriak con lo que evolucionaron convirtiéndose en grupo fusión fundamentalmente de rock, hip hop y reggae-ska, con letras practicamente en su totalidad en euskera y con gran carga política tuvieron un gran éxito no solo en Euskadi, si no que por toda la península hicieron giras multitudinarias y también salieron al extranjero con mucha asiduidad, llegando a tocar en paises como Japón. De ideología de izquierda-abertzale muy marcada en sus principios y acusados en ocasiones de algo más que simpatizantes de la banda terrorista E.T.A. sus letras marcan su clara ideología independentista pero cada vez más alejada de la violencia y tendiendo hacia la fusión de culturas pero siempre manteniendo los rasgos identitarios de cada uno. Tras 11 años con Negu Gorriak, comienza su andadura en solitario colaborando con otras bandas hasta que en 1999 graba este primer disco en solitario asistido por gran número de bandas con las que había colaborado previamente como Radici nel Cemento, Manu Chao, Hechos Contra el Decoro o Todos Tus Muertos.
Lo cierto es que Fermin Muguruza podría considerarse como la versión vasca de Joe Strummer, incansable sobretodo en incorporar nuevos sonidos a su música y colaborando con multitud de bandas. Hay que pensar que Kortatu nacen después de que los hermanos Muguruza vieran sendos conciertos de The Clash y de The Beat, por lo que Strummer fue una referencia para Fermin.
La carrera de Fermin Muguruza la he seguido desde casi sus inicios ya que un amigo mio era admirador acérrimo de su música y nos la dió a conocer al resto del grupo y casi podría decir que mi abertura a escuchar distintos tipos de música sea en parte culpa de su música ya que me ocurría que en principio canciones que escuchaba no me gustaban mucho pero poco a poco me iban agradando más. Seguramente comencé a escuchar hip hop y reggae por culpa de Fermin.

El álbum Brigadistak Sound System se podría casi decir que es un disco coral y que se grabó a la colaboración de un gran número de artistas de todo el planeta. De hecho se puede escuchar un gran número de idiomas, con el euskera como eje principal, también escuchamos textos en castellano, italiano, inglés, francés, portugués o catalán entre otros, por lo que ante todo tenemos fusión lingüística, pero también fusión musical, convirtiéndose en un disco muy animado, variado y que se escuha con gran facilidad no sin estar cargado de letras reflexivas o reivindicativas fundamentalmente relacionadas con injusticias sociales.
Urrun (Lejos) es la canción con ritmo reggae que abre el álbum en la que colaboran los italianos Radici nel Cemento y uno de los componentes de Banda Bassotti y trata sobre la indolencia que muestra la gente ante las cosas que ocurren de puertas hacia fuera de sus hogares o ámbitos de vida. Hitza Har Dezagun (Tomemos la palabra) junto con los venezolanos Desorden Público es una crítica a los medios de información/desinformación con un ritmo más acelerado y bailable. Newroz de forma más íntima habla de aniquilación de pueblos en este caso personalizado en los kurdos. En esta canción colabora con uno de los miembros del grupo norteamericano Fishbone. Puzka (Soplando) con ritmo dub critica a las empresas que arrasan como si fueran huracanes los recursos de los paises del tercer mundo. Harria (La Piedra) junto con los mejicanos Tijuana No y acompañados de potentes guitarras hacen un silogismo entre un levantador de piedras y querer luchar por algo en soledad. Lagun Nazakezu? (¿Puedes ayudarme?) junto con los madrileños Hechos Contra el Decoro con toques raggamuffin es una de las canciones más bailables del álbum y a continuación una de mis favoritas Eguraldi Lainotsua Hiriburuan (Tiempo de bruma en la capital), basada en un poema del escritor vasco Joseba Sarrionandia, acompañado del grupo francés International Spartak con un ritmo reggae impecable. Maputxe (Mapuche) junto con Manu Chao y Brigadistak (Brigadistas) con los brasileños P18 con temas comunes sobre los abusos del primer mundo sobre las pequeñas comunidades indígenas, esta segunda la canción más contundente desde el punto de vista rítmico. Oasiko Errengina (Reina del Oásis) con los cubanos Los Van Van es otro gran tema muy bailable y la versión de Toots & The Maytals 54-46 es magnífica en la que acompañan los argentinos Todos Tus Muertos. Ari Du Hotza (Hace frío) es la canción con tono más melancólico de todo el álbum, canción en la que los arreglos corren a cargo de Kaki Arkarazo y finalmente mi favorita Nazio Ibiltaria Naiz (Soy una nación andante) en la que colaboran los norteamericanos de Los Angeles Atzlan Underground y con un profundo sonido más cercano al hip hop y una clara reivindicación de las identidades individuales y colectivas. Cierra el álbum una remezcla dub del primer tema, Urrun Dub a cargo de Mad Professor.
Estuve durante mucho tiempo escuchando este álbum, cuya grabación en cinta no salía de mi mochila en mis trayectos en los medios de transporte a la universidad.

 

Tracklist: (todas compuestas por Fermin Muguruza excepto las indicadas)

   1. Urrun - 4:39
   2. Hitza Har Dezagun - 4:38
   3. Newroz - 4:46
   4. Puzka - 3:51
   5. Harria - 3:00
   6. Lagun Nazakezu? - 4:10
   7. Eguraldi Lainotsua Hiriburuan - 5:56
   8. Maputxe - 4:28
   9. Brigadistak - 3:38
  10. Oasiko Erregina - 3:52
  11. 54-46 - 4:35 (Toots Hybert)
  12. Ari Du Hotza - 5:09
  13. Nazio Ibiltaria Naiz - 5:53
  14. Urrun Dub - 4:43

Enlaces generales:

Fermin Muguruza (oficial), Fermin Muguruza - Wikipedia, Fermin Muguruza - MySpace

Enlaces del album:

Last.fm, Grooveshark

Otros:

Brigadistak Sound System - Allmusic review, Brigadistak Sound System - Discogs, Brigadistak Sound System - Wikipedia, Brigadistak Sound System - Radiochango

Nota Allmusic.com: 4

The Skatalites - Hi-Bop Ska (1994)

Hablar de The Skatalites es hablar del origen del Ska y por extensión de toda la música moderna Jamaicana, ya sea Reggae, Dub, Rocksteady, etc. La banda nació en 1963, al poco tiempo de haberse independizado Jamaica del Reino Unido. En las ciudades se fusionaba el Rhythm & Blues y el Jazz que provenían de Estados Unidos con la música Afro Cubana y surgió ese sonido tan característico que evolucionaría con los años en distintos estilos que aún conservan esa incuestionable semilla de origen. Comenzaron siu andadura como músicos de estudio del sello Studio One y su popularidad creció con rapidez pero en 1965 se disolvieron debido a los problemas mentales del trombonista Don Drummond que asesinó a su esposa. Casi veinte años después The Skatalites volvieron a formarse aunque con una formación algo renovada liderada por Rolando Alphonso y Tommy McCook con la que tuvieron de nuevo un gran éxito que se extendió por todo el planeta y les llevó a colaborar a sus miembros con multitud de bandas de Ska y Reggae. Pero en 1998 ambos líderes fallecieron y la banda volvió a sufrir una nueva reestructuración de la que solo quedan dos de sus miembros originales, el pianista Lloyd Knibbs y el saxofonista Lester Sterling. Con todo esto la banda sigue actualmente en activo y haciendo giras por todo el mundo mostrando su esencia a las nuevas generaciones.

El álbum Hi-Bop Ska es practicamente instrumental excepto en el caso de tres canciones. Para su grabación contaron con invitados de lujo como Toots Hibbert, lider de la bande de Reggae Toots & The Maytals y otros ilustres del Jazz como Prince Buster o Lester Bowie entre otros. Las composiciones del álbum tienen desde revisiones de temas compuestos como es el caso de Guns of Navarone que es una versión del tema principal de la película dirigida por John Lee Thompson en 1961 que compuso Don Drummond en 1967 poco antes de morir es el sanatorio mental en el que pasó sus últimos días. También volvieron a grabar el tema Man in the Street, publicado en 1986 que destila notas de música caribeña, aunque lo que más podemos encontrar es referencias al Jazz como en Flowers for Albert (dedicada a Albert Ayler) o Renewal o Nelson’s Song. Los temas con letra del álbum son You’re Wondering Now interpretado por Doreen Shaeffer y Split Personality interpretada por Toots Hibbert, probablemente mi favorita del álbum. La última con letra es la que cierra el álbum, Ska Ska Ska interpretada por Prince Buster con también referencias al Jazz.

Tracklist:

     1. Guns of Navarone - 6:23
     2. Flowers for Albert - 6:13
     3. Ska Reggae Hi-Bop - 8:23
     4. You’re Wondering Now - 2:49
     5. Everlasting Sound - 5:26
     6. African Freedom - 5:33
     7. Man in the Street - 4:35
     8. Split Personality - 5:29
     9. Renewal - 4:48
    10. Nelson’s Song - 6:17
    11. Burru Style - 7:35
    12. Ska Ska Ska - 3:51

Enlaces generales:

The Skatalites (oficial), The Skatalites - Wikipedia, The Skatalites - MySpace

Enlaces del album:

Last.fm, Grooveshark

Otros:

Hi-Bop Ska - Discogs, Hi-Bop Ska - Allmusic review

Nota Allmusic.com: 4

Stubborn All-Stars - NYC Ska Sensation (1999)

Generalmente no soy muy partidario de los discos Gratest Hits, de lo que hablaré proximamente pero vamos a hacer una excepción que no creo que se de mucho y es hablar de un disco que es una compilación de grandes éxitos de Stubborn All-Stars. El origen de este grupo ya es un poco una especie de "compilación de éxitos" pero en este caso es de artistas del sello Stubborn Records. Stubborn All-Stars es un grupo neoyorkino formado por miembros de bandas que grababan bajo el sello Stubborn, que generalmente publica álbumes de grupos de ska, reggae o soul. Hasta 18 miembros formaron parte de la banda entre 1994 y 1999 de bandas como Skinnerbox, The Slackers, The Radiation King o The Insteps; grabaron tres "largas duraciones" y uno de ellos, Back with a New Batch fue elegido por la cadena norteamericana MTV como mejor álbum de reggae de 1997. También hubo colaboraciones de componentes de bandas ya consagradas como Roland Alphonso de The Skatalites o Robert Hingley de The Toasters.
Stubborn All-Stars no es un grupo muy conocido en España, yo les conocí a través de una cinta que me grabó una amiga con muchos grupos que había conocido ella durante una temporada que vivió en Estados Unidos. Después de eso me pasó este álbum que inyecta dósis de buen rollo cada vez que lo escucho.

La álbum NYC Ska Sensation está realizada con el contenido de los dos primeros álbumes que publicó la banda. Tras su sonido alegre y bailable como no, en este género, hay hueco para textos con mensaje y contenido social. Tin Spam por ejemplo es un ejemplo de tener un sonido muy animado y bailable pero en la que se cuestiona si realmente el progreso es progreso para todos o solo para algunos. Back with a New Batch, que dió título al segundo álbum se muestra más combativa, en cambio Pick Yourself Up, que obtuvo un gran éxito y es mi favorita del álbum es casi una canción de autoayuda que espeta a volverse a levantar cuando la vida nos golpea. Open Season fue su primera grabación y título del primer álbum y en la que colabora Roland Alphonso en lo que es una especie de divertimento dirigido a djs y músicos de reggae con una base que recuerda a música oriental. Las dos canciones siguientes se contraponen en cierto modo, Glimmer of Hope es una canción de amor, un rayo de esperanza, mientras que Tired of Struggling es una declaración de rendición de alguien que cansado de luchar prefiere morir a estar muerto vivo. Rich Morrissey es una canción instrumental puramente ska muy animada,algo bastante habitual en el género eran canciones instrumentales dedicadas o bien a músicos del estilo u otros personajes. También son instrumentales basicamente en esta recopilación Liutenant y Dave Helm. El resto de canciones dejan a un lado las reivindicaciones y son más temas de amor, Rise To Find You, Lost Out Again, Because of You que mezcla reggae con soul y Foolish you. Struggling Version es una versión dub de Tired of Struggling y el album se cierra con Friend, una invitación a pensar en lo que hemos hecho durante nuestra vida.

Tracklist:

     1. Tin Spam - 3:56
     2. Back With A New Batch - 3:47
     3. Pick Yourself Up - 3:54
     4. Open Season - 5:09
     5. Glimmer Of Hope - 3:05
     6. Tired Of Struggling - 4:43
     7. Rich Morrissey - 4:01
     8. Rise To Find You - 4:30
     9. Lieutenant - 6:48
    10. Dave Helm - 3:48
    11. Lost Out Again - 3:17
    12. Because Of You - 3:04
    13. Foolish You - 4:13
    14. Struggling Version - 4:55
    15. Friend - 3:44

Enlaces generales:

Stubborn Records, Stubborn All-Stars - Wikipedia (USA)

Enlaces del album:

Last.fm, Grooveshark

Otros:

NYC Ska Sensation - Discogs

Nota Allmusic.com: No valorado