The (English) Beat - I Just Can't Stop It (1980)

A finales de los setenta, llegó la influencia de la música jamaicana al Reino Unido y parte de ella se fusionó con los sonidos pop y punk que predominaban por allí, aunque en otros casos evolucionó a ritmos algo más rápidos que el sonido ska genuino jamaicano. Grupos como Madness, The Specials o The Selecter pegaron fuerte pero uno de los que mantuvo el germen jamaicano más presente en su sonido fueron The Beat a los que también se les conoce en el mercado norteamericano como The English Beat, debido a la coincidencia del nombre con la banda de Paul Collins.
La banda formada en Birmingham estaba compuesta por seis miembros incluido el saxofonista jamaicano Saxa que dió esa impronta caribeña tan marcada al grupo pero el contenido de las canciones era marcadamente sociales y políticos aunque alternados de vez en cuando con asuntos más triviales.
A The English Beat les redescrubí relativamente hace poco, cuando estaba haciendo una recopilación de canciones de los años ochenta y bucando canciones para completar el segundo CD de mp3 que había generado, buscando en una página web que recopilaba todos los diez primeros puestos de las listas británicas semana a semana de cada año de la década de los ochenta, escuché Mirror in the Bathroom, la cual no me era desconocida, y Twist & Crawl. Poco después me hice con el álbum que las contenía.

I Just Can’t Stop It fue el primer y más exitoso álbum de la banda. Se editó en formato vinilo con catorce canciones incluyendo a las doce que formaron la reedición digital el primer tema que grabaron Tears of a Clown que fue una versión de una canción de Smokey Robinson & the Miracles escrita por Stevie Wonder, y el tema Rankin’ Full Stop.
El tema Mirror in th Bathroom fue el primer single y un éxito absoluto en el Reino Unido. Su significado el algo ambiguo, hay versiones sobre el tema del narcisismo, aunque la más extendida es que habla sobre el consumo de cocaina. La frase  "Mirror in the bathroom recompense for all my crimes of self defense. Cures you whisper make no sense, drift gently into mental illness" es la que hace pensar sobre este hecho, además los problemas y la obsesión con esta sustancia en aquello años entre los jóvenes y músicos de la época era habitual, por lo que no sería de extrañar. Independientemente la canción tiene un ritmo embriagador. Hands Off...She’s Mine trata de las relaciones de pareja, cuando conoces a una chica con la que empiezas una relación pero ella estaba con otro y no puedes seguir. Two Swords con un ritmo más veloz trata sobre el crecimiento de los movimientos fascistas en el Reino Unido y Twist & Crawl, que es mi favorita, trata las formas de ligar en los bares, girarse buscando una mirada y arrastrarse hasta el objetivo, con esta canción comienza una parte del disco más cercana al reggae clásico que sigue con una todavía más acentuada Rough Rider. Click Click sin embargo se acerca más al punk y es más acelerada en relación con el tema tratado las armas y los jovenes. Big Shot vuelve a un tono más es ska y tratando el tema de los nuevos narcotráficantes, gente del barrio que de repente enriquece. Con Whine & Grine volvemos a las notas más reggae con una canción clamando a la paz entre los vecinos de los mismos barrios. Noise in This World nos lleva de forma más enérgica a las relaciones de bar. Can't Get Used to Losing You es una versión de la canción interpretada por Andy Williams en 1963, Best Friend nos lleva de nuevo al ritmo ska más británico en una canción llena de buenas vibraciones y finaliza el álbum con otra canción en este sentido, Jackpot volviendo a las raices jamaicanas puras.
En resumen un buen disco que invita a bailar pero también genera denuncia social.

Tracklist:

   1. Mirror in the Bathroom – 3:10
   2. Hands Off...She’s Mine – 3:01
   3. Two Swords – 2:19
   4. Twist & Crawl – 2:35
   5. Rough Rider (Prince Buster, arranged & adapted by The Beat) – 4:52
   6. Click Click – 1:28
   7. Big Shot – 2:34
   8. Whine & Grine/Stand Down Margaret – 3:51
   9. Noise in This World – 2:19
  10. Can’t Get Used to Losing You (Shuman, Pomus) – 3:04
  11. Best Friend – 3:01
  12. Jackpot (Agard, Crooks, Robinson, The Beat) – 4:19

Enlaces generales:

The Beat - Oficial, The Beat- Wikipedia (UK), The Beat - MySpace

Enlaces del album:

Last.fm, Spotify, Grooveshark

Otros:

Allmusic Review, I Just Cant’t Stop This - Wikipedia (UK)

Nota Allmusic.com: 5

The Toasters - Skaboom! (1987)

The Toasters es uno de los grupos de ska que más me gustan, aunque en realidad  es un género que normalmente es muy agradecido de escuchar. En general suele aportarme dósis de buen rollo y positivismo como pocos géneros. The Toasters pertenecen a la hornada de grupos que surgieron en  los ochenta en la linea de grupos como The Selecter, Specials o Bad Manners surgidos a finales de los setenta a los que se les denominó como la segunda ola del ska (two tone) ya que fusionaban los origenes del ska jamaicano con el punk, convirtiéndose en un ritmo más rápido y potente, aunque mantenía su estilo bailable, y en algunos casos con letras reivindicativas y fundamentalmente antiracistas ya que el género se posicionó en contra de la corriente de extrema derecha que surgía en Inglaterra. La corriente a la que pertenecen The Toaster es la llamada tercera ola, surgida en Estados Unidos junto con otras bandas como The Uptones o The Mighty Mighty Bosstones que como componente comun tenían un ritmo algo más rápido que sus predecesores británicos.
No puedo decir que este grupo fue el primero que escuché de ska, estos fueron Madness, con su archiconocido One Step Beyond y aparte del ritmo me sorprendió el hecho de que vistieran con corbata y sombrero, algo que luego comprendí como una seña de identidad del género.

Desde sus primeras notas, Skaboom! es un disco con un ritmo endiablado, los pies casi se ponen en marcha solos. Quizá el sonido se nota algo antiguo y un remasterizado le iría bien pero el álbum se disfruta de principio a fin. Las letras en general hablan sobre diversión, fiesta o historias locas y divertidas. Talk is Cheap es una de mis favoritas para empezar, Weekend in L.A. con su caotica historia recorriendo el mundo en un fin de semana en Los Angeles. Shocker!, el curioso y temido personaje Mr. Trouble acompañado de una melodía casi circense y East Side Beat es otra de mis favoritas. Más canciones destocables son Now or Never o Matt Davies que recoge alguna notas de la melodía de James Bond o la que cierra el álbum Naked City que mezcla rock’n’roll con ska.
En 1995 se editó en CD por primera vez y se añadió al listado de canciones el contenido del EP de 1985 Recrimination.
Un disco que me encanta escuchar y me trae un buen rollo que resulta impagable.

Tracklist:

   1. Talk Is Cheap - 3:50
   2. Pool Shark - 3:47
   3. Weekend in L.A. - 4:22
   4. Shocker! - 4:31
   5. Toast on the Coast - 2:11
   6. Manipulator - 3:30
   7. Mr. Trouble - 3:24
   8. ABC’s - 2:54
   9. East Side Beat - 3:45
  10. Now or Never - 3:19
  11. So Long, Buck - 1:16
  12. Renee - 4:07
  13. Matt Davis - 2:45
  14. Ideal Man - 3:22
  15. Naked City - 3:14

Reedición:

  16. Recrimination(s) - 3:19 
  17. Razor Cut - 3:35
  18. Run Rudy Run - 4:17
  19. Radiation Skank - 2:11
  20. Calling All The Rude Boys - 3:00

 

Enlaces generales:

The Toasters - Oficial, The Toasters - Wikipedia (USA), The Toasters - MySpace

Enlaces del album:

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Otros:

Allmusic Review

Nota Allmusic.com: 4

Love of Lesbian - 1999 (2009)

El caso de Love of Lesbian no es de los más habituales en el panorama musical nacional. Su andadura comenzó en 1996 usando como idioma en sus letras el inglés y publicarían tres álbumes, pero en 2005 decidieron hacer un giro a su carrera para grabar sus siguientes álbumes en castellano. Lo que en principio podría parecer una simple maniobra comercial lo argumentaron diciendo que de aquel modo sus letras llegaban a menos oidos y es que su público mayoritariamente era español y no es ningún secreto que el nivel de inglés actual en España es bastante bajo. Independientemente de posibles estrategias o reafirmaciones propias, la banda no perdió ni un ápice de interés y se abrió un nuevo horizonte para ellos, pudiendo jugar más con las letras y los dobles sentidos, algo característico de ellos.
La primera vez que oí hablar de ellos fue durante la gira de The Cure en el año 2000, a los que telonearon. Desgraciadamente no pude asistir a aquel concierto, pero por la radio escuché algo de ellos y me sorprendió la voz de Santi Balmes, pero después no volví a prestarles atención hasta que saldría 1999 del que se ha oido muchísimo Club de Fans de John Boy. La canción me llamó mucho la atención y de hecho pensé que debía ser la primera vez que cantaban en castellano, aunque luego descubrí dos discos más de ellos en castellano, en general mejores que éste, pero 1999 ha sido mi puerta de acceso a su música. También les he visto en directo y son muy convincentes además de conectar muy bien con el público.

Según han comentado los miembros del grupo, 1999 (que lleva como subtítulo o cómo generar incendios de nieve con una lupa enfocando a la luna) se trata de una especie de monográfico a las muy diferentes etapas que pueden vivir una pareja jóven. Desde la ilusión del comienzo, pasando por pequeñas crisis y vicios del otro que no se soportan hasta la ruptura y el olvido y la nostalgia de los buenos recuerdos que tienen todas las relaciones. El motivo de que el título sea un año se debe a que todas las parejas suelen tener un año de referencia y además coincide con el de la publicación de su primer álbum en inglés, por lo que se intuye que existen pequeños aspectos biográficos en las distintas situaciones setimentales descritas en cada una de las catorce canciones que forman el álbum.
Allí donde solíamos gritar abre el álbum como una mirada nostálgica y retrospectiva de una vieja relación, para mi la mejor canción del álbum. El single con el que debutaron Club de fans de John Boy es también una canción interesante sobre los gustos adquiridos que proporcionan las relaciones. También hay lugar para los malos momentos de relación, lo que dicen los demás en Las malas lenguas, o los vicios obsesivos en Algunas plantas o las excusas en Cuestiones de familia, para terminar con las rupturas de El Ectoplasta, 1999 o Miau. Segundas oportunidades también como en Segundo asalto e Incendios de nieve o venganzas en Cuando diga ya.  Un disco ligero y escuchable aunque algo irregular.

Tracklist:

   1. Allí donde solíamos gritar - 5:37
   2. Club de fans de John Boy - 3:51
   3. Las malas lenguas - 3:33
   4. Algunas plantas - 4:06
   5. Cuestiones de familia - 3:01
   6. El ectoplasta - 3:46
   7. Segundo asalto - 3:36
   8. Incendios de nieve - 5:58
   9. 1999 - 5:05
  10. Te hiero mucho - 4:24
  11. Cuando diga ya - 2:47
  12. Miau - 4:20
  13. La mirada de la gente que conspira - 4:47
  14. Voy a romper las ventanas - 6:28

Enlaces generales:

Blog oficial Love of Lesbian, Love of Lesbian - Wikipedia, Love of Lesbian - MySpace

Enlaces del album:

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Otros:

1999 - Wikipedia

 

Nota Allmusic.com: No evaluado

Vetusta Morla - Un Día En El Mundo (2008)

Vetusta Morla es uno de los grupos de la escena independiente nacional que más galardones ha recibido desde la pubicación de su primer álbum. La puesta en marcha de la banda de Tres Cantos (Madrid) se produjo allá por 1998, y tras varias maquetas e innumerables conciertos, no grabaron su primer álbum hasta diez años después, pero como ocurre con el buen vino fue un álbum fermentado lentamente y sin aditivos para acerelarlo. Este hecho además tiene una explicación y es que los miembros de la banda que porta el nombre de uno de los personajes de la novela La Historia Interminable (Michael Ende, 1979), llevan simultaneamente otros proyectos musicales lo cual explica la lentitud en la producción musical de la banda. Existe gran espectación la llegada del segundo larga duración para observar la evolución de la banda madrileña, ya que según diversas publicaciones escritas y digitales se ha considerado Un día en el mundo como el mejor álbum de rock alternativo español de la primera década del siglo XXI. Algo de lo que muchas deiscográficas que no contaron con ellos se lamentarán, ya que el disco es autoproducido.
A Vetusta Morla les conocí por un compañero de trabajo con el que siempre nos iba mos recomendando grupos que escuchar. Ya desde la primera escucha me gustó mucho, y las letras me parecían muy notables y bien construidas, cosa de la que a veces este género carece con las letras en castellano. Poco después les vi en directo en el BAM 2008 en Barcelona y terminaron de convencerme. Un directo explosivo y cargadísimo de fuerza.

A mi en particular, este disco aunque me gustó desde el primer momento, la sensación que me provoca es de querer escucharlo de nuevo y eso es lago dificil de conseguir. Entre las notas musicales de Vetusta Morla se pueden sacar influencias de Radiohead y de Wilco y dentro del panorama musical nacional se observan sobretodo en la forma de componer las letras a Iván Ferreiro, ex-lider de Los Piratas.
El álbum está salpicado de pequñas joyas sonoras a lo largo de sus casi cicuenta minutos de duración. El arranque es Autocrítica, una canción que va subiendo de intensidad poco a poco hasta llegar al climax final que a mi me provoca escalofríos. Sálvese quien pueda es una pieza desesperada y épica, llena de lirismo y en la misma línea suena Un día en el mundo. Copenhague es una de las mejores canciones del disco, la atmósfera de melancolía que consigue generar es impresionante, te envuelve y sumerge por completo acompañado por la característica voz de Pucho. Con Valiente se aviva el ritmo del álbum demostrando que no sólo son canciones intimistas las de la vieja Morla y en cierto modo es una reivindicación relacionada con lo que le costó a la banda poder editar un larga duración. La marea nos devuelve de nuevo a esos caminos plagados de nostalgia que tan bien saben explotar. Pequeño desastre animal para mi es la canción más irregular del álbum, quizá porque es el punto de inflexión del álbum, aunque  a  continuación llega la intensa y rockera La cuadratura del círculo. Año nuevo nos devuelve a los sonidos más íntimos acompañados de las notas del piano de Juan Manuel Latorre. Rey sol es también una canción muy intensa, quizá mi segunda favorita. Saharabbey road es con la que suelen finalizar los conciertos con un cierto toque de ranchera, es una canción muy dada para ser coreada por el público. Cierra el álbum Al respirar que regresa a ese tono íntimo y melancólico que predomina en el álbum.
En definitiva un gran debut que esperemos se consolide cuando salga el próximo álbum.

Tracklist:

   1. Autocrítica - 4:42
   2. Sálvese quien pueda - 3:22
   3. Un día en el mundo - 4:12
   4. Copenhague - 5:03
   5. Valiente - 3:28
   6. La marea - 3:43
   7. Pequeño desastre animal - 3:34
   8. La cuadratura del círculo - 4:35
   9. Año nuevo - 4:26
  10. Rey sol - 3:27
  11. Saharabbey road - 4:37
  12. Al respirar - 3:35

Enlaces generales:

Vetusta Morla - Oficial, Vetusta Morla - Wikipedia, Vetusta Morla - MySpace

Enlaces del album:

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Otros:

Allmusic Review, Un día en el mundo - Wikipedia, Un día en el Mundo - Muzikalia, Un día en el Mundo - Hipersónica

Nota Allmusic.com: 3

Franco Battiato - Fetus (1972)

Director de cine, pintor, filósofo, cantautor y sobretodo músico. Franco Battiato es uno de los músicos más eclécticos del panorama musical italiano y en general mundial. Su estilo ha pasado por la canción de amor, la canción protesta, música experimental, ópera, rock progresivo, música electrónica y podríamos seguir hablando de géneros que el cantautor siciliano ha explorado en profundidad, ya que no sólo se trata de temas sueltos con los que ha ido experimentando, sino álbumes enteros. Se le podría definir como un estudioso de las artes en general, por ejemplo su acercamiento a la pintura se debe a un experimento de autoanálisis y de superación tratando de demostrar que la capacidad artística de la pintura no es algo innato (como algunos entendidos afirman), sino que puede aprenderse y mejorar con el tiempo. En el caso de la música su afán durante los años setenta fue en gran medida debido a la llegada de las nuevas tecnologías y como adaptarlas de una forma natural en diferentes estilos musicales. Durante esta época publicó varios discos en los que sonidos electrónicos se mezclaban con instrumentos tradicionales y envolvían textos generalmente existencialistas, metafísicas e incluso científicas. Ya en los años ochenta volvería a la canción tradicional, aunque siempre con alguno de estos elementos que he comentado y le llegaría la fama a nivel internacional, llegando en España a grabar discos en versión castellana.
A Franco Battiato, por mis raices italianas le conocía desde muy pequeño pero lo primero que recuerdo escuchar son canciones ya archiconocidas como Voglio Vederti Danzare, Nomadi o Centro di Gravità Permanente, pero descubrí su época más experimental gracias a un amigo de mi hermano que me grabó una cinta de noventa minutos en la que la primera cara eran canciones de los cuatro primeros álbumes que editó en este estilo. En un principio no puedo decir que me gustara, pero tampoco me disgustó, fue más bien el impacto de algo que no tenía nada que ver con lo que conocía de él. Al cabo del tiempo me encantaba aquella cinta y en uno de mis viajes a Italia me compre los cuatro álbumes aquellos completos.

Fetus es el resultado de las diferentes inquietudes de las que era presa el jóven Battiato. Explorar en la música electrónica (un poco en el sentido que lo harían Pink Floyd), a biología y la fascinación por lo seres vivos y la cosmología fueron los pilares de este primer larga duración del músico siciliano, en el que se puede observar que todos los títulos están relacionados con la genética. Está claro que Franco Battiato quería impactar y de entrada lo logró con la famosa portada en Italia que suscitó polémica e hizo que en muchos negocios de venta de discos retiraran el álbum de las estanterías, pero Fetus es un canto a los momentos iniciales de la vida. El orden de las canciones de la edición de vinilo original a la reedición en compact disc fue modificado, el motivo lo desconozco, aunque creo que quedaba mejor el original pero aqui referenciamos el que se puede encontrar hoy en día.
El álbum se abre con Fetus, el sonido de latidos de corazón acompañados de una reflexión del feto durante su estancia en el útero materno. En Una Cellula el concepto de canción es similar, esta vez una reflexión metafórica entre la vida humana y la de una simple célula de un organismo, acompañada también está por sonidos de sintetizadores. En Cariocinesi (cariocinesis, es la fase inicial de la mitosis) esta vez experimenta con una especie de jazz progresivo. Energia, que originalmente era la primera canción, contiene dos partes; la primera unos niños pequeños que hablan y la segunda es una reflexión sobre el milagro de la vida. Fenomenologia es una canción muy interesante, en este caso deja a un lado la música electrónica y con acompañamiento de guitarra acústica y percusión repite dos fórmulas matemáticas: x₁ = A*sen (ωt), x₂ = A*sen (ωt + γ). Esto representa la fórmula matemática de la hélice del ADN representada en dos dimensiones, vida en en una sola palabra. Meccanica es un pequeño giro a las cuestiones biológicas y se centra más en la vida artificial y en la cosmología y en la que hay un un homenaje a la película 2001: Una odiséa del espacio (Stanley Kubrick, 1968) y concluye con el sonido de las grabaciones de los astronautas americanos cuando pisaron por primera vez la Luna. Anafase es otra de las fases de la mitosis y en la que nuevamente la canción tiene dos partes, una acústica y una segunda que nos envuelve en una especie de atmósfera alienígena, llena de pequeños sonidos agudos aunque bien podría ser una banda sonora del proceso de la mitosis. Al acabar se retoman las notas acústicas que enlazan con Mutazione, la canción más "tradicional" de todo el álbum que simboliza ese momento en el que el feto está apunto de salir del útero materno y la reflexión de lo que le espera.

En su momento sus ventas no fueron malas, pero con el paso de los años Fetus se ha convertido en uno de esos discos de culto sobretodo para los apasionados de las apuestas arriesgadas musicales.

Tracklist:

   1. Fetus - (2:39)
   2. Una Cellula - (2:55)
   3. Cariocinesi - (1:59)
   4. Energia - (4:31)
   5. Fenomenologia (3:51)
   6. Meccanica - (6:11)
   7. Anafase - (5:36)
   8. Mutazione - (2:58)

Enlaces generales:

Franco Battiato - Oficial, Franco Battiato - Wikipedia (It), Franco Battiato - MySpace

Enlaces del album:

Last.fm, Spotify, Grooveshark

Otros:

Allmusic Review, Fetus - Wikipedia (It)

Nota Allmusic.com: 4

Pink Floyd - The Dark Side Of The Moon (1973)

Uno de los estandartes del rock psicodélico son sin duda Pink Floyd, grandes experimentadores de sonidos y textos de corte existencial y filosófico. El rock psicodélico podría decirse que fue un puente entre el blues y el rock progresivo y además influenciado profundamente por el consumo de alucinógenos, pero generalmente los autores de este género comenzaron sus andanzas musicales cercanos al blues, de hecho el nombre de la banda se debe a los nombres de dos músicos de blues Pink Anderson y Floyd Council. La semilla de la banda estuvo presente previamente bajo diferentes nombres, Roger Waters, Bob Klose, Nick Mason y Rick Wright finalmente decidieron montar una nueva banda a la que se uniría el vocalista Syd Barrett y tras un pequeño periodo llamándose Tea Set, finalmente se denominarían Pink Floyd. Desde el comienzo se apreciaron las influencias de la literatura en sus composiciones y a menudo harían uso del surrealismo, pero pronto comenzarían a experimentar con efectos sonoros, ruido y osciladores alcanzando el mayor grado de psicodelia en Ummagumma en 1969. Pero el éxito llegaría en los años setenta de la mano de sus discos más aclamados por crítica y público y sin perder un ápice de su originalidad y constantemente explorando nuevas posibilidades sonoras.
De estas grandes bandas de algún modo se tiene siempre la sensación de conocerlas de toda la vida. El primer recuerdo que tengo es de imagenes de la película The Wall (Alan Parker, 1982), basada en el álbum de Pink Floyd, aunque esas imagenes que tengo en la cabeza son algo difuminadas, pero lo que tengo claro es que el primer disco que escuché fue The Dark Side Of The Moon que me prestó un amigo, creo que era de su padre y lo que me llamó mucho la atención fue la portada, un simple prisma refractando luz, pero algo distinto se entreveía; después durante la escucha lo pude comprobar.

The Dark Side Of The Moon es seguramente el disco más importante de Pink Floyd y no solo por el éxito de acogida de crítica y público (permaneció durante 14 años en las listas de los más vendidos), sino por la atemporalidad que ha logrado tener este álbum que no ha envejecido ni un ápice, quizá porque los temas tratados  (la naturaleza del ser humano, la avaricia, la vejez, la muerte) son universales y a todos nos incumben, es por ello que las nuevas generaciones que escuchen el álbum queden hipnotizados por las melodías y efectos sonoros, así como las letras cantadas en tono lánguido y acompasado que ahondan en la arista filosófica que tratan.
En el comienzo del álbum, dos canciones van de la mano, Speak to Me y Breath hablan sobre la banalidad de las propiedades mundanas y la importancia de cada uno vivir la vida a su manera, de aquí se pasa a la estresante On The Run, en la que mediante sintetizadores evocan la velocidad, el estrés y la ansiedad que provocan la vida moderna. Tras un sonido de relojes, comienza Time como una advertencia de lo que nos decían en Breath, el paso del tiempo aferrándose a las cosas mundanas puede llegar a dejarnos sin control sobre nuestra propia vida. Le sigue The Great Gig in The Sky, una reflexión metafórica sobre la constante proximidad de la muerte acompañada de piano y la intensa voz de Clare Torry que a mi en particular me llega a poner los pelos de punta. Money es el tema más conocido del álbum y quizá el más extraible de la obra conceptual, sonidos de cajas registradoras y una letra irónica como crítica a la avaricia y al consumismo. Us and Them retoma el aire pausado y sosegado en tono de balada para hablar sobre las relaciones humanas y la soledad. Enlaza sin pausa Any Colour You Like, canción instrumental que trata de evocar el concepto de falsa libertad que en ocasiones tiene el hombre y también de forma enlazada comienzan las primeras notas de Brain Damage, canción sobre la locura en la que explican como el éxito individual puede prevalecer sobre el bien colectivo en clara alusión a lo sucedido con el antiguo lider de la banda Syd Barret, enloquedcido por el éxito y en mayor medida por el consumo de drogas. El título del álbum hace referencia a esta canción, "I'll see you on the dark side of the moon" nos veremos en el lado oscuro de la luna. Eclipse llega también enlazada en la que se insta a la humanidad a reconocer sus semejanzas entre individuos y proclama la unidad. Significativo es que comienzo y fin del álbum se unan mediante unos latidos de corazón, el contenido de todo es la vida misma, lo bueno y lo malo. Disco imprescindible, sin duda.

No quiero dejar de pasar por alto una de las coincidencias más curiosas en el mundo audiovisual y digo coincidencia porque los miembros de Pink Floyd siempre han dicho que es una mera casualidad. Se trata de The Dark Side Of The Rainbow, que es como se conoce a la sincronización del álbum con la película El Mago de Oz (Victor Fleming, 1939). Se desconoce quien fue la primera persona que trató de sincronizar, pero lo cierto es (y yo lo he podido comprobar) existen muchos puntos en los que imagen y sonido del álbum coinciden en significado o cambios de secuencia. Sea como fuera una curiosidad que vale la pena observar.

Tracklist:

   1. Speak to Me - 1:16
   2. Breathe - 2:44
   3. On the Run - 3:32
   4. Time - Breathe (Reprise) - 7:06
   5. The Great Gig in the Sky - 4:44
   6. Money - 6:32
   7. Us and Them - 7:40
   8. Any Colour You Like - 3:25
   9. Brain Damage - 3:50
  10. Eclipse - 2:04

Enlaces generales:

Pink Floyd - Oficial, Pink Floyd - Wikipedia, Pink Floyd - MySpace

Enlaces del album:

Last.fm, Grooveshark

Otros:

Allmusic Review, The Dark Side Of The Moon - Wikipedia, Hipersonica - The Dark Side Of The Moon (1ª parte), Hipersonica - The Dark Side Of The Moon (2ª parte)

Nota Allmusic.com: 5

David Bowie - The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972)

David Bowie es con toda seguridad el artísta más ecléctico, camaleónico y polimórfico que podemos encontrar en el mundo de la música. Su trayectoria se extiende a lo largo de medio siglo y su capacidad de adaptarse, cambiar e incluso anticiparse a las nuevas tendencias ha sido alabada por crítica y fans al contrario de lo que ocurre en otros casos y es basicamente porque en casi todos los palos que ha tocado, no es que los haya hecho bien sino que ha sido de los mejores. Aunque sus señas más reconocibles pasan por el glam-rock de los inicios de los años setenta y el pop electrónico de los años ochenta, en sus inicios en los años sesenta abrazó el folk y el R&B, entre su época glam y los ochenta experimentó con el rock, el soul y el funk y ya a finales de los noventa con el hard rock.
Además de esto, ha colaborado con multitud de artistas y producido discos de artistas que él mismo admiraba. Entre estos están The Velvet Underground, The Stooges, Queen, Brian Eno, Mick Jagger o más recientemente con Trent Reznor de Nine Inch Nails. Por todo esto Bowie es uno de esos artistas atemporales que siempre han estado presentes en mi subconsciente y no tengo claro en que momento escuché algo suyo con claridad, aunque lo más probable por mi edad que fuera Let’s Dance lo primero que escuché conscientemente, pero lo que sí recuerdo es cuando escuché por primera vez un disco suyo completo y fue a raíz de escuchar la versión de Moonage Daydream que hicieron The Chameleons en uno de sus álbumes acústicos. Esto hizo que me fuera a descubrir uno de los considerados álbumes más importantes de la historia del rock.

El largo título tiene un porqué, y es que The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars se trata de un álbum conceptual, algo que por aquellos años era bastante más habitual (grupos como The Who, Pink Floyd o los mismísimos The Beatles y The Rolling Stones) que ahora en el que cada uno de los temas es parte de una historia común a todo el disco, aunque en este caso se cuenta una historia completa (como en el caso de Tommy de The Who) que es la llegada de una extraterrestre andrógino a la tierra que se convierte en estrella del rock y su posterior decadencia. Bowie adoptó la personalidad de su personaje convirtiéndose en un personaje de musical el cual se inspiró en los actores del teatro japonés kabuki y de la mano del diseñador Kansai Yamamoto crearon la imagen ambigua de Ziggy Stardust.
El álbum se encuadra dentro del llamado glam rock, género en el que lo visual era una parte muy importante de la obra, lo que aún lo acercaba más al género del musical. En lo musical, el disco recupera la frescura en las canciones que se estaba perdiendo con el rock psicodélico con largos desarrollos y sólos de guitarra, haciendo pistas más cortas y con cambios de ritmo. Five Years, canción de apertura, con un sonido muy cercano al musical, presenta al personaje como un mesías que previene a la Tierra de que en cinco años el mundo agotará sus recursos naturales y desaparecerá. Soul Love es una balada sobre diferentes tipos de amor que conecta directamente con Moonage Daydream en la que Ziggy se revela como el salvador de la humanidad y se muestra como alguien apasionado, romántico y sexualmente liberado. Starman, fundamentalmente acústica, nos presenta la visión de los jóvenes que escuchan la radio y tras escuchar una melodía rock’n’roll hipnótica, reciben un mensaje de Ziggy convenciéndoles de que han de seguirle si desean salvarse, los delirios de grandeza comienzan para el alienígena. It Ain’t Easy es la única canción no escrita por Bowie, es una versión de un blues de Ron Davies, pero que casa muy bien con el tema de la obra, dado que habla sobre las dificultades de llegar al estrellato en el mundo de la música. Lady Stardust comienza a dejar evidente la ambigüedad de Ziggy cuando se maquilla en esta balada acompañada de piano y narra como el público queda fascinado ante la transformación del supuesto mesías. En Star suenan por fin los primeros acordes rock’n’roll, Ziggy comienza a obsesionarse con ser estrella del rock, cree así que todo el mundo le seguirá, cosa que ocurre en Hang On To Yourself momento en el que es una estrella y una legión de groupies se muestran deseosas de tener relaciones sexuales con la banda. Comienza el momento de la decadencia, la canción Ziggy Stardust cuenta la historia de la banda The Spiders From Mars, Ziggy tiene protagonismo absoluto y disuelve la banda porque era suya, el ego será el comienzo de la caída que se narra a ritmo rock en Suffragette City, el sexo y las drogas y olvida sus antiguos propósitos de salvar a la humanidad. Tocará fondo en Rock ’N’ Roll Suicide donde comprende que el desmesurado éxito le llevó al fracaso.

Quizá lo más importante del disco no es como suena ahora, ya que casi puedo imaginarlo como el musical que representa ser, sino lo que representó en la época, la transgresión que suscitó que influiría también en el mundo del cine con películas como The Rocky Horror Picture Show (Jim Sharman, 1975) o Velvet Goldmine (Todd Haynes, 1998).

Tracklist: todas las canciones escritas por David Bowie excepto las indicadas

     1. Five Years - 4:42
     2. Soul Love - 3:33
     3. Moonage Daydream - 4:37
     4. Starman - 4:16
     5. It Ain’t Easy - 2:57 (Ron Davies)
     6. Lady Stardust - 3:21
     7. Star - 2:47
     8. Hang On To Yourself - 2:38
     9. Ziggy Stardust - 3:13
    10. Suffragette City - 3:25
    11. Rock ’N’ Roll Suicide - 2:57

Enlaces generales:

David Bowie - Oficial, David Bowie - Wikipedia, David Bowie - MySpace

Enlaces del album:

Last.fm, Spotify, Grooveshark

Otros:

Allmusic Review, Ziggy Stardust (Aloha Criticón), Ziggy Stardust - Wikipedia

Nota Allmusic.com: 5

50 discos comentados

Cuando comencé la andadura de este blog, la idea de que me cansaría de escribir artículos relativamente pronto era lo que me hacía dudar si ponerlo en marcha o no. Aquello de empezar las cosas y dejarlas a medias o apenas empezadas me tiraba para atrás, pero al final me dije "¿al fin y al cabo que prisa hay?". Lo cierto es que ni tengo que rendir cuentas a nadie y si durante dos meses no escribo no creo que nadie se pueda enfadar, puesto que principalmente esto lo hago para mi mismo, pero gracias a las maravillas de las tecnologías de la información actuales, se puede mantener de forma sencilla y gratuita a nivel mundial.

Pero he de decir que el ir escribiendo artículos no me ha resultado pesado en ningún momento. Me ha servido para reescuchar discos que hacía tiempo que no lo hacía, puesto que antes de escribir volver a escuchar el disco es premisa obligada. Y luego ver que poco a poco, a parte de las amistades y conocidos que han visitado el blog de forma más o menos regular he podido comprobar que mediante Google este blog ha aparecido para satisfacer de información a visitantes de todo el globo. Esto en buena medida ha ayudado a seguir escribiendo. Resulta interesante conocer que búsquedan realizan los usuarios de Internet, qué discos han recibido visitas por búsquedas de Google y cuales ninguna.

Por cifras y recuperando estadísticas de visitas, a fecha de hoy el blog ha tenido un total de 1167 únicas visitas desde el mes de abril de 2010. El mes con mayor número de visitas ha sido mayo con 348, aunque el día con más visitas fue el 27 de abril de 2010 con 42 visitas en un solo día. Las cifras habituales de visitas diarias de media son de 10,6. Por subscriptores hay 10 usuarios subscritos via RSS de los cuales 6 miran el contenido actualizado regularmente. Por todo esto, agradecer a todos los que han accedido al blog su tiempo y espero que encontrasen lo que buscaban. Esperemos que como mínimo las estadísticas se mantengan y más gente se anime a dejar comentarios sobre sus estimaciones subjetivas de tal o cual disco.