The Stooges - Fun House (1970)

The Stooges, también conocidos como Iggy and The Stooges fue la banda con la que Iggy Pop saltó a la fama en el mundo de la música, aunque su andadura inicial solo produjo tres álbumes de estudio, la influencia que la banda generó en el movimiento punk rock fue notoria a pesar de no ser ninguno de los discos un gran éxito de ventas aunque sí de crítica. En realidad la fuerza de la banda estaba en el poderoso directo que ofrecían en sus conciertos y en la interpretación que Iggy Pop hacía en ellos; se cortaba con botellas la piel, fingía realizar sexo con la guitarra y lo más popular y que se popularizó mucho fue el stage diving, que se trataba de dejarse caer de espaldas al público para que la gente lo sujetara y lo desplazara entre los fans. Pero la banda no terminó de cuajar en resultados de ventas, lo que hizo que se quedaran tras Fan House sin discográfica,  pero gracias a la ayuda de David Bowie, volverían a grabar un tercer álbum pero de nuevo el mal resultado de ventas y la adicción a la heroina de Iggy Pop dinamitarían la banda, tomando cada uno direcciones distintas.
Yo no supe de la existencia de la banda hasta 1996, en la que escuché por primera vez la canción Lust For Life de Iggy Pop mediante la banda sonora de la película Trainspotting (Danny Boyle, 1996). Ello me hizo ir a descubrir la discografía de "La Iguana" y tirando del hilo salieron The Stooges, de los que el primer disco que escuché es este Fun House.

El sonido de Fan House pretendía que fuera más cercano al de un directo que el del álbum de debut y lo consiguieron dentro de lo que cabe. El álbum es ruidoso y agresivo, las guitarras y la batería están desbocadas y la voz de Iggy Pop es casi un instrumento más sin ser de gran importancia el contenido de las letras pero siéndolo los diferentes tonos y juegos vocales que realiza. En él se pueden entrever las influencias de la banda, desde el freejazz de John Coltrane a esbozos del sonido de The Doors y las bandas de rock psicodélico de los sesenta.
Down on the Street abre el disco con un grito y un gruñido y un riff de guitarra constante e incesante que dejan claras las intenciones del álbum, todo vale en los escasos cuarenta minutos que durarán sus siete pistas, no hay límites. Junto con Loose y con T.V. Eye tenemos la parte más punk del álbum en la que continuan las estrofas inconexas. Con Dirt llegamos al punto de inflexión, la canción comienza como un blues pero poco a poco va adquiriendo matices psicodélicos en los que se suceden inteson riffs y sólos de guitarra que evocan a Jimi Hendrix y crean una atmósfera casi onírica. A partir de aquí el disco ya ha cambiado, a pesar de que la agresividad se mantiene, musicalmente es ahora más complejo. 1970 termina con un solo de saxofón irracional a coro con los gritos "I feel alright" de Iggy Pop. Fun House surge de las cenizas de la anterior, retomando el sólo de saxofón y el "I feel alright" pero se va construyendo sobre unos cimientos pertenecientes al rock psicodélico y de nuevo las deslabazadas estrofas de la canción terminan siendo hipnóticas. L.A. Blues cierra el álbum de forma caótica y ruidosa, algo que se veía venir, un delirio absurdo y estremecedor más habitual del final del concierto de algunas bandas que The Stooges nos llevan a nuestro lugar de escucha.

Es dificil clasificar este extraño álbum y en cierto modo comprensible que su nivel de ventas fuera bajo, pero escuchándolo deja en evidencia un gran potencial expuesto en siete temas que sería semilla para las dos siguientes décadas.

Tracklist:

   1. Down on the Street – 3:43
   2. Loose – 3:34
   3. T.V. Eye – 4:17
   4. Dirt – 7:03
   5. 1970 – 5:15
   6. Fun House – 7:47
   7. L.A. Blues – 4:57

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Nota Allmusic.com: 5

The Beatles - Revolver (1966)

De The Beatles no hay mucho que se pueda decir que no se haya dicho ya o se sepa. El cuarteto de Liverpool formado por Lennon, McCartney, Harrison y Ringo son probablemente los precursores de lo que hoy se conoce como banda o grupo musical, con una formación fija y unos roles más o menos bien definidos. The Beatles tuvieron como influencias el rock and roll de los años cincuenta de figuras como Elvis Presley, Chuck Berry o Little Richard entre otros y era habitual que en sus primeros años previos a la grabación de álbumes interpretaran en directo canciones de ellos. Posteriormente el sonido de la banda fue evolucionando influenciado por otros estilos y bandas norteamericanas como The Byrds, Bob Dylan o Frank Zappa. Pero The Beatles siempre ha estado ahí, recuerdo escucharlos porque a mis primos (mucho mayores que yo) les encantaban. Yo he tenido varias fases con ellos, de pequeño me gustaba todos sus típicos temas, aunque luego en la adolescencia me cargaban un poco porque en las primeras salidas nocturnas se puso de moda en los bares poner los popurris de sus canciones. Más adelante, con la mejora de la comprensión del inglés y a partir del disco Sgt. Pepper... retomé su escucha y su valor.

Revolver fue el séptimo álbum de estudio de la banda y el que resultaría ser un punto de inflexión en su producción musical. George Harrison compondría tres temas del álbum, lo que supondría un gran avance en lo personal para él e introdujo sonidos indúes del sitar con el que iba explorando las posibilidades que tenía. John Lennon y Paul McCartney se mostraron mucho más experimentales en sus composiciones de lo que había sido hasta ahora, melodías más complejas y letras con dobles sentidos. La influencia de las drogas jugó un papel importante en la composición de este disco que lo covertiría en unos de los primeros del denominado rock psicodélico.
Taxman, una de las composiciones de Harrison, abre el disco con una melodía rock y dedicada a un impuesto británico por el cual muchos artistas emigraron al extranjero para no tener que pagarlo. Eleanor Rigby es una de las pruebas de la madurez de la banda, escrita para un doble cuarteto de cuerda, demuestra las nueva inquietudes en este caso de McCartney por explorar nuevos sonidos para la banda. I’M Only Sleeping presenta también novedades, la canción es una imagen onírica y para reforzarlo Harrison compuso su solo de guitarra para invertirlo ya en la mesa de mezclas y provocar esta extraña sensación que ofrece su escucha. Love You To sigue innovando, se considera que es la primera canción pop con formas no occidentales, ya que la instrumentación es fundamentalmente a base de instrumentos pertenecientes a la música tradicional india. Compuesta integramente y cantada por George Harrison y grabada con ayuda de Ringo Starr. Here, There And Everywhere es una canción más estándar aunque según McCartney pensada originalmente para sonar como los Beach Boys, aunque luego esa idea quedó desterrada. Uno de los grandes iconos sonoros de The Beatles es Yellow Submarine, una canción de corte infantil o incluso de barra de pub irlandes inspirada en un sueño de McCartney, aunque pronto se relacionó con el consumo de drogas de la banda; de echo, los jóvenes de la época empezaron a denominar a las drogas duras como "Yellow Submarine". She Said She Said describe un nuevo episodio de consumo de drogas de la banda junto con el actor Peter Fonda, de forma bastante cruda. Good Day Sunshine es una canción más en el corte de las primeras grabaciones de la banda, optimista y positiva. And Your Bird Can Sing tiene un solo de guitarra muy característico y pegadizo y unas controvertidas explicaciones del origen de la letra, sobre la relación con The Rolling Stones (de los que eran amigos y admiradores) y sobre la opinión de Lennon de las nuevas bandas que surgían. For No One describe la relación de McCartney con una ex-novia; la canción finaliza de forma abrupta al igual que acabó aquella relación. Doctor Robert es una nueva referencia a las drogas, un caso real de un doctor que administrava a sus pacientes alucinógenos aunque también se dice que se refieren a Bob Dylan, con quien empezaron a experimentar con la marihuana. I Want To Tell You es la tercer canción escrita por Harrison más en el estilo de los inicios, mientras que Got To Get You Into My Life es un tributo al sonido soul de Memphis en formato de canción de amor en lo que es una oda a la marihuana. Y para cerrar el álbum mi favorita, Tomorrow Never Knows, un nuevo experimento de rock psicodélico que parece que te embarque en un viaje psicotrópico con sonidos de raíces indias.
Para mi el disco más atrevido y completo del cuarteto de Liverpool.

Tracklist:

   1. Taxman (Harrison) – 2:38
   2. Eleanor Rigby – 2:07
   3. I’m Only Sleeping – 3:01
   4. Love You To (Harrison) – 3:00
   5. Here, There And Everywhere – 2:25
   6. Yellow Submarine – 2:40
   7. She Said She Said – 2:36
   8. Good Day Sunshine – 2:09
   9. And Your Bird Can Sing – 2:01
  10. For No One – 2:01
  11. Doctor Robert – 2:14
  12. I Want To Tell You (Harrison) – 2:29
  13. Got To Get You Into My Life – 2:30
  14. Tomorrow Never Knows – 2:57

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Nota Allmusic.com: 5

The Doors - The Doors (1967)

Desde los años sesenta la imagen de Jim Morrison, líder de The Doors, ha estado vinculada a la música y su influencia sobre las decenas de generaciones de adolescentes que han ido llegando se ha visto en estos jóvenes, ya sea estampada en  camisetas, parches o como libro de poemas de cabecera.  Lo cierto es que la imagen de este poeta rockero se ha convertido en icónica y su trágica y en cierto modo misteriosa muerte probablemente contribuyó a ello. Pero The Doors no era solo Jim Morrison, uno de sus elementos más distintivos era el uso de un teclado en lugar del bajo y el teclista era Ray Manzarek; John Densmore  y Robby Krieger formaban el resto del cuarteto. Inspirado el nombre en un poema de William Blake, el contenido profundo y trascendente de los textos de Morrison fue uno de los puntos de atención que llamaron más la atención a público y crítica con los que conectaron desde el principio, aunque sus referencias a drogas y sexo les costó alguna que otra censura por aquellos puritanos años.
Me resulta dificil concretar cuando tomé contacto con ellos, pero fue a través de amigos de la escuela. Recuerdo en casa de uno de ellos una fiesta en ausencia de sus padres y nosotros algo colocadillos, se puso este disco que me pareció en un principio muy hipnótico, casi una experiencia psicodélica de primera mano.

El homónimo álbum de debut contiene gran parte de los éxitos que se han recopilado en los mil y un grandes éxitos que se han publicado de la banda, por lo que es casi en sí mismo un grandes éxitos. Break on Through (To the Other Side)  es la apertura del disco, canción transgresora que sufrió el primer recorte de la censura en la frase "she gets high" como una referencia explícita a "colocarse". Soul Kitchen tiene la estructura más de poema, que es como escribía las letras, sin música y luego las adaptaban entre todos. The Crystal Ship es una canción dedicada al primer amor de Morrison y en la que el piano tiene gran importancia en la base de la canción. Twentieth Century Fox suena a canción de bar del medio oeste americano en la que habla de una despiadada mujer, sin embargo Alabama Song tiene un punto musical entre circense y de cabaret; esta canción está basada en un relato de la obra de Bertold Brecht Hauspostille. Light My Fire es probablemente la canción más famosa de la banda y su solo de teclado es archi-reconocible, se pueden observar detalles de jazz fusión en la canción que es una de las más representativas de lo que se denominó rock psicodélico; la letra de la canción describe a una pareja colocándose y llegando a lo más alto, reflejado por los dos solos de la canción. Back Door Man es un blues de Willie Dixon versionado por la banda en la que el protagonista es un hombre que se acuesta con una mujer casada y huye por la puerta de atrás cuando el marido vuelve (back door man). I Lookead At You es una de mis favoritas, una canción muy sencilla con una estructura de twist lento. End Of The Night es un tema lánguido y triste y a la vea muy lírico que se contrapone de forma radical con mi preferida Take It As It Comes, una canción mucho más vital y con fuerza para cantar a los cuatro vientos. Cierra el álbum la también muy famosa y épica The End, una canción de despedida según Morrison aplicable a cualquier tipo de despedida, ya sea del amor, de la infancia o  de la vida. Existieron polémicas con el contenido, sobretodo en la parte que hace referencia al complejo de Edipo, lo que les costó que les echaran de un local. Aunque es una canción intimamente ligada a la película Apocalypse Now (Francis Ford Coppola, 1979) por su escena inicial.

En general se trata de un álbum con un halo teatral que lo rodea bastante evidente  y que probablemente se haría más evidente en las actuaciones en directo. Pura historia de la música.

Tracklist: (todas las canciones escritas por The Doors excepto las indicadas)

   1. Break on Through (To the Other Side) – 2:25
   2. Soul Kitchen – 3:30
   3. The Crystal Ship – 2:30
   4. Twentieth Century Fox – 2:30
   5. Alabama Song (Whisky Bar) (Brecht, Weill) – 3:15
   6. Light My Fire – 7:02
   7. Back Door Man (Willie Dixon) – 3:30
   8. I Looked At You – 2:18
   9. End Of The Night – 2:49
  10. Take It As It Comes – 2:13
  11. The End – 11:35

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Nota Allmusic.com: 5

The Rolling Stones - Exile On Main Street (1972)

Hablar de The Rolling Stones es hablar de la banda más longeva del panorama musical mundial. Llevan desde 1964 grabando álbumes de estudio, que a día de hoy suman 24 de los cuales todos excepto el primero han llegado a los cinco primeros puestos del billboard. Además, a pesar de la longevidad, la banda solo la han formado siete miembros que se han considerado oficiales y tres de ellos en la actualidad son los fundadores de la banda y en ningún momento han causado baja. Son Mick Jagger, Keith Richards y Charlie Watts. Ron Wood está oficialmente en la banda desde 1975. Con todo esto no se puede decir mucho más. Historicamente son rivales de The Beatles en popularidad y ellos mismos se proclamaron en 1969 "la banda de rock and roll más grande del mundo". Sus influencias han sido fundamentalmente el Rhythm and Blues y el Rock’n Roll americano de figuras legendarias como Chuck berry, Muddy Waters o Fats Domino, así como del jazz de Charlie Parker y Miles Davis, aunque con el paso de los años han ido introduciendo novedades, desde elementos del pop británico y del rock psicodélico al punk y a la música electrónica, pero la esencia siempre ha sido el rock’n roll. Y tras esta larguísima carrera es dificil encontrar bandas que no hayan sido influenciadas por los Rolling. Desde Jefferson Airplane y The Flamin’ Groovies en los años 60, pasando en los 70 por David Bowie, Led Zeppelin y ZZ Top y más en la actualidad Guns N'Roses o Primal Scream.
A los Rolling Stones les escuché pronto, pero no les presté mayor atención hasta entrada la veintena de años. Mi hermano se compró cuando yo debía tener unos 14 años el álbum en directo Still Life del que me gustaron varias canciones, como Under My Thumb o Going a Go Go. Tiempo después quise escuchar y comprobar que los Rolling eran mucho más que Satisfaction y un logo comercial de los más reconocidos mundialmente.

Muchos consideran en la actualidad Exile On Main Street como la cima de los Rolling a pesar de que en el momento de su publicación la crítica lo considerara un álbum simplón y vulgar que apenas narraba los años de sexo y drogas de los componentes de la banda, pero con el paso de los años se ha revalorizado quizá por la variedad de sonidos norteamericanos que hay en él, desde el rock’n roll más clásico, el R&B, rockabilly, boogie woogie, gospel, blues y jazz. Todos esto lo podemos encontrar en esta calle Mayor.

Mis canciones favoritas de este álbum son la canción de apertura Rocks Off, en la que me encanta el acompañamiento de saxo, trombón y corneta. Shake Your Hips, una versión del clásico de Slim Harpo. Tumbling Dice que es uno de los grandes clásicos de la banda en directo. Sweet Virginia es una canción country cuyos primeros acordes me recuerdan al Jimmy Jazz de The Clash. Happy en la que canta Keith Richards, Ventilator Blues que como su nombre indica es un blues super intenso y All Down The Line, otro temazo muy habitual en su directo. También destacaría momentos de reivindicación social con Sweet Black Angel en honor a la activista afroamericana Angela Davis, miembro de las Panteras Negras.
A fin de cuentas rock’n roll en estado puro en este álbum que en su momento apareció como un doble álbum.

Tracklist: (todas las canciones escritas por Mick Jagger y Keith Richards excepto las así indicadas)

   1. Rocks Off - 4:32
   2. Rip This Joint - 2:23
   3. Shake Your Hips (Slim Harpo) - 2:59
   4. Casino Boogie - 3:33
   5. Tumbling Dice - 3:45
   6. Sweet Virginia - 4:25
   7. Torn and Frayed - 4:17
   8. Sweet Black Angel - 2:54
   9. Loving Cup - 4:23
  10. Happy - 3:04
  11. Turd on the Run - 2:37
  12. Ventilator Blues (Jagger/Richards/M.Taylor) - 3:24
  13. I Just Want to See His Face - 2:52
  14. Let It Loose - 5:17
  15. All Down the Line - 3:49
  16. Stop Breaking Down (Robert Johnson) - 4:34
  17. Shine a Light - 4:14
  18. Soul Survivor - 3:49

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Nota Allmusic.com: 5

The Who - Who's Next (1971)

¿Quienes son The Who? Una broma sencilla que se suele hacer cuando se habla esta gran banda, contemporánea a The Beatles y a The Rolling Stones, pero a menudo tengo la sensación que olvidada por los medios generalistas y sin embargo hoy en día el rock’n roll sin ellos no hubiera sido igual. Ya desde su primer álbum My Generation algo cambió en el mundo de la música. La canción que da título a ese primer álbum está considerada la primera canción punk de la historia, tanto por letra como por música. Su estilo fue siempre innovador y marco tendencias para muchos de los grupos coetaneos, despúes de este álbum Peter Townshend comenzaría a crear canciones con pequeños contenidos de otras propias con la idea de crear una ópera rock. Así apareció Tommy, la primera ópera rock que tuvo éxito en 1969. Después se embarcaron en el llamado proyecto Lifehouse, que se trataba de componer una ópera rock aún más compleja y elaborada que Tommy, pero nunca se llegó a finalizar y lo publicaría en solitario Townshend años después. Tras este paréntesis llegaría Who’s Next en el que como innovación introducirían los sintentizadores en una banda de rock.
Lo primero que escuché de The Who fue Tommy y en un principio no tuve muy claro si me gustó o no, muy conceptual en ese momento quizá, aunque ya había escuchado álbumes de Pink Floyd, pero el caso es que en las siguientes escuchas iba comprendiendo más la estructura del álbum y su dificultad. A nivel técnico es impresionante. Después a través de unas versiones de Pearl Jam que hicieron de ellos, llegó a mis oidos Who’s Next y puedo decir a día de hoy que está en mi top 5 de discos.

Cuando empiezan las primeras notas de Baba O’Riley no puedo evitar sentir escalofríos. Es sin duda el comienzo de un nuevo estilo. El sintetizador se había inventado hacía poco y los sonidos electrónicos generan una serie de efectos que en su momento debieron impresionar mucho más de lo que aún lo hacen. Baba O’Riley es ya todo un clásico y escrita en honor de las ifluencias filosóficas (Meher Baba) y musicales (Terry Riley) de Townshend. Además también se escucha un violín que por algún instante da un toque folk a la canción. Bargain es otra canción que me encanta, la voz de Roger Daltrey es como un rugido cuando canta el estribillo "I’d call that a bargain, The best I ever had, The best I ever haaaaad". Love Ain’t For Keeping suaviza la escucha, una canción en parte acústica con ciertos elementos folk. My Wife es la única canción no escrita por Townshend, es del bajista John Entwistle y cuenta la historia de un hombre que sale a tomar una copa y cuando su mujer llega a casa se cree que está con otra. Él golpeará a un policía para que le encarcele y no tener que dar explicaciones a su mujer. Las canciones sobre amor son la base del álbum, esta tendencia por lo tanto se mantiene con The Song Is Over y con Getting In Tune. Going Mobile es un tema repescado del proyecto Lifehouse en el que el solo de guitarra está acompañado de un dispositivo electrónico similar a un sintetizador que genera un efecto muy particular e interesante, que hace de este tema una canción muy interesante. Y llega el final del álbum de un nivel indescriptible, primero con Behind Blue Eyes, también originalmente destinada para Lifehouse y una de las canciones más emblemáticas de The Who y versionada una infinidad de veces. Hay que escucharla. Y lo mismo ocurre con la que cierra el álbum original Won’t Get Fooled Again, con guitarras y sintetizadores al inicio en una larga intro y el poder de la canción que formaba parte también de Lifehouse y esta canción quería demostrar lo que influenciaba la música en la gente. La letra narra la historia de una revolución que derroca un régimen y tras lo largo se instala en el poder casi de la misma forma que el derrocado. Es ambiguamente poítica y gente de diferentes corrientes políticas se identifica con ella, luego lo que trataba de demostrar Townshend lo logró. El rugido final antes del "Meet the new boss, same as the old boss" es espectacular.

La reedición se completó con caras B y algún tema inédito. Pero las nueve canciones originales forman el auténtico Who's Next.

Tracklist: (todas las canciones escritas por Pete Townshend excepto las indicadas)

   1. Baba O’Riley - 5:00
   2. Bargain - 5:33
   3. Love Ain’t for Keeping - 2:12
   4. My Wife (Entwistle) - 3:41
   5. The Song Is Over - 6:16
   6. Getting in Tune - 4:50
   7. Going Mobile - 3:42
   8. Behind Blue Eyes - 3:42
   9. Won’t Get Fooled Again - 8:32

La reedición de 1996 incluye también:

  10. Pure and Easy - 4:22
  11. Baby Don’t You Do It (Holland-Dozier-Holland) - 5:14
  12. Naked Eye - 5:31
  13. Water - 6:25
  14. Too Much of Anything - 4:25
  15. I Don’t Even Know Myself - 4:56
  16. Behind Blue Eyes - 3:28

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Nota Allmusic.com: 5

Joy Division - Closer (1980)

Joy Division fue la clave del movimiento post punk que dió origen a un sinfín de bandas que se caracterizaron por sonidos oscuros y siniestros y letras pesimistas, de desesperación y muerte. Ian Curtis fue el líder de la banda y su vida estuvo marcada por la epilepsia, lo que le provocó caer en profundas depresiones que le llevarían al suicidio a los 23 años de edad y con una prometedora carrera por llegar. Aficionado a la poesía y a la música punk, Curtis formó una banda junto con Bernard Sumner impresionados por la puesta en escena de The Sex Pistols a la que en un principio llamarían Warsow en homenaje a una canción de David Bowie y Brian Eno, pero al final cambiarían la denominación por Joy Division, el nombre de un grupo de mujeres judías que durante el nazismo eran usadas como prostitutas por los altos mandos del ejercito nazi. Por este motivo fueron acusados de neonazismo en sus inicios, algo que negaron con rotundidad y explicaron que el nombre fue escogido por el hecho de luchar contra los tabúes. En cualquier caso la banda comenzó a tener éxito unánime de crítica y público lo que perjudicó por contra a Ian Curtis, que su estado depresivo se agravó y sus ataques de epilepsia se harían más frecuentes incluso ocurriéndole sobre el escenario. Poco antes de iniciar la gira por los Estados Unidos, Ian se ahorcó en su cocina tras ver una de sus películas favoritas. Stroszek, (Werner Herzog, 1977) en la que el protagonista es un artista que acaba suicidándose.
Joy Division es de esos grupos que su nombre siempre ha estado ahí, pese a que su obra es escasa. Dos discos, uno de ellos póstumo y varios singles y EPs marcaron a muchos músicos del momento, como The Sound o The Chameleons y a través de estos últimos el nombre me quedó grabado en la memoria. Un tiempo después, con la versión de Dead Souls que Nine Inch Nails hizo para la banda sonora de la película El Cuervo (Alex Proyas, 1994) busqué escuchar la original y me hice con el recopilatorio de singles Substance.

Closer se públicó de forma póstuma y está considerado el mejor álbum de la banda. Se trata de un disco muy elaborado y complejo. Además del talento de los componentes de la banda, la mano del productor Martin Hammet se nota en los efectos de sonido y las atmósferas creadas, lo que hace todavía más lúgubre el sonido del álbum. Atrocity Exhibition abre el álbum con un sonido plagado de ruido de fondo, en ocasiones parecen ruido de máquinas de obras de la calle. Isolation nos muestra el gusto por el uso de sintetizadores de la banda, lo que quizá sería lo que indicaría el devenir del resto de componentes que fundarían posteriormente New Order. La situación personal de Ian Curtis quizá queda bien reflejada en Passover, una crisis esperada desencadena el fatal desenlace, acompañado de un sonido que después The Cure reflejaría en su álbum Pornography. Colony no es mucho más esperanzadora, en este caso es la situación familiar la que se derrumba y aisla al protagonista y de nuevo las notas biográficas no se pueden obviar, ya que Ian Curtis estaba a punto de divorciarse de su mujer Deborah. A Means To An End es una canción dificil de interpretar, quizá sea la única con un ápice de positivismo, aunque es sexualmente ambigua o quizá un grito desesperado de ayuda o de reproche (I put my trust in you). Efectos sonoros vocales encontramos en el temazo Heart And Soul que en momentos recuerda el sonido horror rock de The Misfits. Twenty Four Hours condensa un sonido más intenso y desgarrador, otra especie de grito de ayuda, en la letra demanda ayuda durante su tratamiento antes de que sea demasiado tarde. The Eternal suena casi como una marcha fúnebre y la extraña sonoramente hablando Decades, con un final agónico y casi un presagio sobre su trágico final.
Un disco imprescindible.

Tracklist:

   1. Atrocity Exhibition – 6:06
   2. Isolation – 2:53
   3. Passover – 4:46
   4. Colony – 3:55
   5. A Means to an End – 4:07
   6. Heart and Soul – 5:51
   7. Twenty Four Hours – 4:26
   8. The Eternal – 6:07
   9. Decades – 6:10

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Nota Allmusic.com: 5

The Stranglers - Rattus Norvegicus (1977)

The Stranglers es uno de los grupos más influyentes de la corriente punk rock británica. Comenzaron su andadura en 1974 y la experiencia musical de los componentes de la banda eran el blues y el jazz, aunque todos eran seguidores del rock psicodélico de grupos como The Doors o Led Zeppelin y sería lo que les llevaría a formarse como banda, pero sobretodo se nota la influencia de The Doors en los primeros álbumes. Al poco tiempo de formarse hicieron un viaje a Japón en el que conocieron la escena musical alternativa japonesa de la que quedaron impresionados de grupos como 村八分 (Ostracismo), Red Lizard o Friction. De vuelta a las islas británicas comenzaron sus grabaciones en las que el sonido que crearían se convertiría en una de las semillas del punk, si bien es cierto que la banda después fue evolucionado y tocando más estilos y sonidos. El grupo también hizo de mecenas para alguna bandas norteamericanas en sus primeras incursiones en las islas, como con los Ramones, a los que acompañaron durante su primer tour británico.
Este grupo les conocí en otro momento de su carrera musical, cuando su sonido ya era más pop de los años ochenta, pero a través de un foro de Internet me hablaron de sus inicios y adquirí el álbum Black And White que me impactó mucho. Tiempo después de esto, un profesor de inglés que tuve era gran aficionado a la música punk de finales de los setenta y principios de los ochenta y me prestó los dos primeros álbumes de la banda. El resto de la carrera no me ha interesado mucho, pero sin duda su primera tripleta de álbumes creo que son de esos discos que se deben conocer para comprender la evolución de la música.

Rattus Norvegicus es el primer álbum de la banda liderada por Hugh Cornwell y se convertiría en uno de los discos más vendidos del punk, pero desde los primeros acordes el sonido del órgano Hammond nos recuerda a The Doors, aunque The Stranglers sí contaban entre sus filas con un bajista, Jean-Jacques Burnel que colaboraba con Cornwell en la composición y la letra de las canciones. En general las letras de este álbum tienen un nexo común y es la degradación de la vida en la gran ciudad. En Sometimes destaca el sonido del Hammond, Goodbye Toulouse es el primer tema pre-punk que encontramos en el que cuenta la profecía de Nostradamus de la destrucción de la ciudad francesa. London Lady asgue en esa estela pre-punk con tintes de rock’n roll y Princess of the Streets sin embargo la envuelve un aire de blues inequívoco de sus primeros pasos como músicos. Mi tema favoritos es Hanging Around, con esos toques que recuerdan a The Doors y a The Miracle Workers con solos de guitarra acompañados del teclado. Peaches es uno de los temas más conocidos en el que fusionan música reggae, algo muy habitual luego en bandas punk, como The Clash. (Get A) Grip (On Yourself) es otra canción donde como innovación nos encontramos el sonido de saxofón y Ugly retorna al estilo más pre-punk de la banda y el álbum original finaliza con Down in the Sewer, quizá la canción más psicodélica del álbum con largas partes instrumentales. "Sewer" (alcantarilla) se refiere a la ciudad de Londres.

En 2001 reeditaron el álbum con tres temas más, Choosie Susy es la continuación de la historia contada en Princess of the Streets. Go Buddy Go es una canción basada en el Hey Joe de Jimi Hendrix y Peasant In The Big Shitty es un tema en directo con otra visión negativa de la ciudad de Londres.

Tracklist:

   1. Sometimes - 4:55
   2. Goodbye Toulouse - 3:17
   3. London Lady - 2:33
   4. Princess of the Streets - 4:38
   5. Hanging Around - 4:27
   6. Peaches - 4:08
   7. (Get A) Grip (On Yourself) - 4:02
   8. Ugly - 4:08
   9. Down in the Sewer - 7:58

Reedición de 2001 incluye también:

  10. Choosey Susie - 3:14
  11. Go Buddy Go - 3:58
  12. Peasant In The Big Shitty - 3:42

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Nota Allmusic.com: 3,5

The Smiths - Hatful Of Hollow (1984)

The Smiths es probablemente la banda más influyente de la música británica de finales dell siglo XX. Y no es porque lo diga yo, pero la prestigionsa revista musical New Musical Express así lo decidió teniendo en cuenta el número de apariciones entre los mejores de las bandas, el número de portadas y el número de bandas que les citaban como influencia directa. Y si bien es cierto que normalmente "los Smith" es un grupo que o gusta mucho o no gusta nada, el caso es que no suelen dejar indiferentes a nadie. Su fuerza residía en sus dos creadores, contrapuestos a su vez por gustos, Johnny Marr y Morrissey dieron un toque de profundidad literaria y musical al pop británico de principios de los años ochenta. Pero esa fuerza resultó también contraproducente. Marr estaba abierto a las innovaciones y a experimentar con los sonidos. Morrissey vivía anclado en los años sesenta y en su mitomanía por viejos actores (James Dean) o cantantes como Sandie Shaw. Todo acabó como el rosario de la aurora y hasta llegaron a los juzgados, demandados los dos líderes de la banda por Mike Joyce y Andy Rourke por los royalties, lo que hace impensable una reunión del grupo y más cuando Morrissey en la actualidad vive una segunda juventud discográfica y Johnny Marr es un músico respetado y solicitado que ha colaborado con infinidad de bandas del estrellato.
Este puede que fuera el primer disco que escuché en casa de un grupo no infantil, y vaya bautismo de fuego... de hecho creo recordar que no me gustó. Mi hermano se compró tres discos, Hatful of Hollow, el The Head On The Door de The Cure y el Hearts Of Fortune de Immaculate Fools y este fue el único que no me gustó ( y debía tener yo unos siete años). Pero el caso es que más adelante le pillé el gusto a las impostaciones de voz de Morrissey y a ese sonido tan característico de la banda.

No soy muy partidario de los álbumes recopilatorios ni de los Greatest Hits, creo que un álbum (aunque no en todos los casos) forma un conjunto y tiene un contexto específico, ya sea por intención expresa del autor o no. Es por ello que las compilaciones me parecen algo impersonales, carentes de alma. Y es que Hatful of Hollow no deja de ser una compilación, aunque con un detalle y es que no son canciones escogidas por un productor musical, sino que se trata de sesiones grabadas en programas de radio británicos en su mayoría, por lo que casi es una especie de disco en directo pero en un estudio de radio y entre otros programas en las Radio 1 Evening Session de la BBC y las Peel Sessions del mítico John Peel. Algunas canciones suenas un poco distintas de las grabaciones originales y por ejemplo en el caso de This Charming Man o de Still Ill, estas versiones me parecen mejores que las originales. El álbum se abre con William, It Was Really Nothing que no aparece en ninguno de los discos oficiales y se publicó como single y para mi es una de las canciones más representativas del grupo, quizá porque fue la primera que escuché. Ya en ella Morrissey introduce sus ideas afirmando que el matrimonio es una pérdida de tiempo y aconseja a un amigo que el matrimonio es realmente nada. What Difference Does It Make? fue un single del primer álbum y uno de sus primero éxitos. These Things Take Time fue una de las canciones que menos me gustaban y ahora por contra es de mis canciones favoritas. Después la animadísima y maravillosa This Charming Man en la que tocan temas muy habituales en sus composiciones, como son la lujuria y la diversión. Después una de las mejores canciones de la banda How Soon Is Now? que sin embargo tocaron muy pocas veces en directo por la dificultad que entrañaba de tener que ser más músicos en el escenario. Handsome Devil trata también de temas relacionados con el sexo. Había una estrofa de la letra que de pequeño me ruborizaba cuando decía "let me get my hands on your mammary glands, and let me get your head on the conyugal bed". Hand in Glove es otro clásico, una canción que suscitó muchas interpretaciones entre ellas que era una declaración de amor de Morrissey a Johnny Marr. Still Ill es otra gran canción que suena mejor en esta versión acústica. Heaven Knows I’m Miserable Now cuyo título está inspirado en la canción Heaven Knows I’m Missing Him Now de Sandie Shaw. Continúa el álbum con la hipnótica This Night Has Opened My Eyes, la estupenda You’ve Got Everything Now. Accept Yourself y la gran Girl Afraid tratan sobre el aceptarse a uno mismo y los miedos de la adolescencia en las relaciones sentimentales, la segunda llena de los riffs característicos de guitarra de Johnny Marr. Back To The Old House es otro tema acústico que nos inunda de nostalgia con la voz desgarrada de Morrissey y la calma continua en las dos últimas canciones Reel Around the Fountain y Please, Please, Please Let Me Get What I Want. Este es uno de esos discos que me traslada a la infancia pre-adolescencia al escucharlo. Un grande.

Tracklist:

   1. William, It Was Really Nothing – 2:09
   2. What Difference Does It Make? (Peel, May) – 3:11
   3. These Things Take Time (Jensen, July) – 2:32
   4. This Charming Man (Peel, September) – 2:42
   5. How Soon Is Now? – 6:44
   6. Handsome Devil (Peel, May) – 2:47
   7. Hand in Glove (single version) – 3:13
   8. Still Ill (Peel, September) – 3:32
   9. Heaven Knows I’m Miserable Now – 3:33
  10. This Night Has Opened My Eyes (Peel, September) – 3:39
  11. You’ve Got Everything Now (Jensen, July) – 4:18
  12. Accept Yourself (Jensen, September) – 4:01
  13. Girl Afraid – 2:48
  14. Back to the Old House (Peel, September) – 3:02
  15. Reel Around the Fountain (Peel, May) – 5:51
  16. Please, Please, Please Let Me Get What I Want – 1:50

Enlaces generales:

The Smiths - Wikipedia, The Smiths (Ask me, ask me, ask me) - No Oficial, The Smiths - Typical Me (blog en castellano)

Enlaces del album:

Last.fm, Grooveshark

Otros:

Allmusic Review, Hatful of Hollow - Wikipedia

Nota Allmusic.com: 5