James - Pleased To Meet You (2001)

La carrera del grupo James es larga y es de los pocos supervivientes a día de hoy (aunque con una separación no oficial de por medio de siete años) del sonido Manchester que se originó en los años ochenta, aunque su época de mayor esplendor la vivieron en los años noventa. James se ha mantenido siempre en una especie de plano distinto al de los circuitos comerciales y a pesar de tener muchos seguidores, sobretodo en Reino Unido y Estados Unidos, su música ha permanecido virgen a las campañas masivas de las radiofórmulas. Su puesta en escena en el panorama musical tuvo a unos padrinos de lujo. Telonearon en sus comienzos a grupos como The Fall y se ayudaron mutuamente con The Smiths en varias giras británicas lo que les llevó a labrarse una reputación importante en el mundo de la música indie. Con la llegada de los años noventa y la explosión del sonido "Madchester" llegarían sus mejores trabajos para la crítica y su apertura al mercado norteamericano de la mano de Neil Young. También colaboraron con Brian Eno el cual les produjo el álbum Wah Wah. En 2001 tras la publicación de Pleased To Meet You el líder de la banda, Tim Booth abandonaría la formación, provocando la disolución no oficial de la banda.
James fue una banda a la que tardé en escuchar a pesar de siempre oir nombrarla cuando se hablaba de grupos más importantes británicos de finales de los ochenta y curiosamente hasta ya bien entrado el siglo XXI no cayó en mis manos un disco de ellos y lo cierto es que me sorprendió tras contrastar vaios álbumes suyos esa capacidad de evolución que pocas bandas tienen, no solo por adaptarse a nuevos sonidos, sino hacer de nuevos sonidos una seña de identidad propia.

En el disco se nota una gran presencia de elementos de música electrónica que no resultan nada extraños junto con el sonido característico de James. Space es el tema que abre el álbum, irrumpiendo poco a poco, de menos a más, como si de un aeroplano que va ganando poco a poco altura. Falling Down con un sonido de bajo muy característico es una canción más bailable y deja un poco de lado el tono épico, pero que se retoma con la gran English Beefcake en la que también encontramos sonidos de folk irlandés. Junkie es una canción espectacular, que recuerda ligeramente en algunos momentos a Radiohead y una letra impresionante sobre los vicios. Le siguen la que da título al álbum, Pleased To Meet You y The Shining, dos preciosas canciones llenas de colorido. En particular me encanta el final de la primera de estas dos. Senorita es una canción que me recuerda sobretodo el inicio a la música de Morrissey en su carrera en solitario. Gaudi es un tema más puramente de música electrónica que no he podido saber nunca a ciencia cierta si tenía relación con el arquitecto catalán Antoni Gaudí o con el disco de The Alan Parsons Project dedicado también al arquitecto, dado que la letra no es muy esclarecedora, pero aún así un tema muy animado que se contrapone a What Is It Good For, un elegante tema al que sigue un tema con un cierto toque de folk norteamericano, Give It Away. Fine nos lleva de nuevo a la vertiente más electrónica del álbum y por fin el single y auténtico temazo Getting Away With It (All Messed Up), casi un himno de los aficionados de la banda. El epílogo y guinda final es Alaskan Pipeline, cargado de nostalgia y una atmósfera especial que nos envuelve y deja un estado de paz y sosiego indescriptible. Un discazo.

Tracklist:

   1. Space – 4:49
   2. Falling Down – 3:36
   3. English Beefcake – 5:46
   4. Junkie – 4:56
   5. Pleased To Meet You – 5:37
   6. The Shining – 4:26
   7. Senorita – 3:10
   8. Gaudi – 3:17
   9. What Is It Good For – 4:12
  10. Give It Away – 3:05
  11. Fine – 3:41
  12. Getting Away With It (All Messed Up) – 4:29
  13. Alaskan Pipeline – 4:28

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Otros:

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Nota Allmusic.com: 4,5

Happy Mondays - Squirrel And G-Man Twenty Four Hour Party People... (1987)

Normalmente cuando se piensa en música británica, se asocia como primera imagen que nos viene a la mente el pop, algo que en buena medida es debido a The Beatles, aunque gran parte de la producción musical británica ha ido en esa dirección, pero a mediados de los ochenta en las principales ciudades británicas se puso de moda el sonido house, proveniente de Estados Unidos. Londres y Manchester se pusieron de moda y aparecieron las raves o party raves, fiestas  de larga duración en grandes espacios al aire libre o abandonados en el que la música electrónica y los juegos de luces (y en muchos casos el alcohol y las drogas) eran los denominadores comunes. El sonido evolucionó a lo que se llamó acid house, pero un grupo que actuaba en la batalla de bandas en el famoso local The Haçienda empezó a componer canciones con guitarras sobre bases electrónicas. Este grupo era Happy Mondays que creo este sonido que se llamó Madchester y encontró cobijo en este famosísimo local al que acudía toda la vanguardia de la sociedad británica y encontró al productor Martin Hammet (New Order y Joy Division) como mecenas e impulsor de sus álbumes. Junto con The Stone Roses, acapararon las miradas de todo el panorama musical británico.
A Happy Mondays no les escuche hasta que vi la película 24 Hour Party People (Michael Winterbottom, 2002) en la que se contaba la historia de The Haçienda y el sonido Manchester. Tenía otro concepto de ellos, pero después de ver la película me interesé por saber más de ellos y comencé por su primer álbum.

Squirrel And G-Man Twenty Four Hour Party People Plastic Face Carnt Smile (White Smile) es el larguísimo título de este álbum de debut que lo produciría ni más ni menos que John Cale (coofundador de The Velvet Underground) y en él se aprecia a parte del uso de música electrónica como base de sus composiciones, influencias de bandas como The Smiths o The Cure en su sonido de guitarras. El disco sin embargo peca un poco de poca variedad en su sonido, en ocasiones no tienes claro si sigue siendo la misma canción que escuchabas antes o la siguiente. Las letras de las canciones están fundamentalemente basadas en historias que pudieran ocurrir en las raves, chicos y chicas en busca de sexo, de drogas y alcohol o de simplemente bailar durante horas y horas. Para mi, los temas más destacables de este disco son Kuff Dam, Tart Tart, Russel y por supuesto la que dio título a la recomendable película 24 Hour Party People. Música de baile sin ninguna pretensión pero con un ritmo bastante facilón que invita a bailar.

Tracklist:

   1. Kuff Dam – 3:06
   2. Tart Tart – 4:25
   3. ’Enery – 2:22
   4. Russell – 4:53
   5. Olive Oil – 2:36
   6. Weekends – 2:23
   7. Little Matchstick Owen – 3:42
   8. Oasis – 3:45
   9. 24 Hour Party People – 4:40
  10. Cob Twenty – 4:20

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Nota Allmusic.com: 3,5

 

The Stone Roses - The Stone Roses (1989)

The Stone Roses es una de las bandas claves que aparece a finales de los años ochenta en el Reino Unido. Generacionalmente pertenecen a lo que se llamó sonido Manchester, aunque serían uno de sus últimos exponentes junto con The Charlatans, pero marcarían profundamente a todas las bandas que surgirían a mediados de los noventa y que darían forma al brit pop. Y todo esto a pesar de que su producción fue escasa, dos álbumes y un puñado de singles y Ep’s antes de que la banda se separara en 1996 tras el desgaste sufrido durante cuatro años por las disputas legales con la discográfica Silverstone, con la que publicaron este disco homónimo. El distanciamiento con los escenarios y la llegada del brit pop curiosamente les devoró su espacio obtenido y nunca lo recuperarían.
A The Stone Roses les conozco practicamente desde la publicación de su segundo disco, pero al igual que con Happy Mondays (otros de los representantes del sonido Manchester pero en una vertiente más bailable), tardé en prestarles atención, hasta que no vi que todas o casi todas las bandas británicas de mediados de los noventa los citaban como máxima referencia.

The Stone Roses fue un grupo también pionero en el sentido de las influencias que inspiraban su sonido. Lo que es evidente tras escucharles es su gusto por la psicodelia de finales de los sesenta y principios de los setenta. El álbum suena a The Byrds, al Revolver de The Beatles y al country folk incluso de Simon & Grafunkel, de los que toman la adaptación de su Scarborough Fair para Elizabeth my Dear, aunque la banda en sus inicios apuntaba más hacia The Clash y The Sex Pistols.
I Wanna Be Adore abre el disco, una canción en la que los instrumentos van entrando poco a poco y la voz de Ian Brown parece un instrumento más; sencillamente "adoro" esta canción. A continuación entra She Bangs The Drums, una canción positiva sobre todos esos momentos que se disfrutan en buena compañía. Con Waterfall podemos comprobar las influencias que la banda tiene de la música psicodélica que se hacen aún más evidentes en Don’t Stop. Bye Bye Badman vuelve a reafirmarnos en la idea del gusto de Stone Roses por los grupos americanos de principios de los setenta. Elizabeth My Dear usa la canción tadicional Scarborough Fair de base para una mordaz crítica contra la monarquía británica en menos de un minuto. (Song For My) Sugar Spun Sister nos devuelve al pop más suave y exquisito de la banda lleno de toques psicodélicos en la letra y continuar con una de sus obras maestras, Made Of Stone, melodía puramente pop, pero letra reivindicativa con un estribillo que a mi personalmente me provoca escalofríos... “Sometimes I fantasise, when the streets are cold and lonely, and the cars they burn bellow me...” y sin olvidarnos de ese solo de guitarra espectacular. Shoot You Down esconde tras la calidez de su sonido una dura letra sobre disputas conyugales y This Is The One regresa a esos sonios de finales de los sesenta. El álbum finaliza con I Am The Resurrection una canción que hacia la mitad se convierte en un tema bailable que rubrica el disco de forma excepcional. En la versión americana del álbum se incluyeron dos temas más y cada cual mejor. Elephant Stone, producida por el bajista de New Order y con una intro de batería espectacular y la bailable Fools Gold cuyo videoclip se rodó en las Islas Canarias.

Este disco en una piedra roseta dentro de la música británica.

Tracklist:

UK version

   1. I Wanna Be Adored - 4.52
   2. She Bangs The Drums - 3.42
   3. Waterfall - 4.37
   4. Don’t Stop - 5.17
   5. Bye Bye Badman - 4.00
   6. Elizabeth My Dear - 0.59
   7. (Song For My) Sugar Spun Sister - 3.25
   8. Made Of Stone - 4.10
   9. Shoot You Down - 4.10
  10. This Is The One - 4.58
  11. I Am The Resurrection - 8.12

USA version incluye también:

  -  Elephant Stone - 3.04
  -  Fools Gold - 9.53

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Nota Allmusic.com: 5

Marion - This World And Body (1995)

Marion fue uno de esos grupos gafados por la providencia y por los propios medios musicales. Desde la desaparición de la The Smiths, la prensa británica ha tratado de buscar sin fortuna unos sucesores y eso ha legado a crear una leyenda negra alrededor de quienes los medios designaban como los herederos de la ex-banda de Morrissey; tras prometedores debuts, sus carreras se truncaban por algún motivo. En el caso de Marion y como de tantos otros grupos (dejando al margen leyendas negras) fue la adicción a las drogas del líder y cantante Jaime Harding.
En España no sonaron practicamente nada excepto porque vinieron al Festimad del año 96 y en Radio3 la quincena antes del comienzo del festival, sonaron bastante los grupos que iban a actuar en Mostoles aquel mes de mayo, y de los grupos que no conocía, Marion fue el primero que me sorprendió y apunté para verles en directo. Y así fue, el concierto me pareció muy bueno, un sonido muy directo y con gran potencia de guitarras y en absoluto me parecieron parecidos a The Smiths en cuanto al sonido, les ví más cercanos a Suede y en algunos temas a The Cure. Después de aquel Festimad me grabó el disco una amiga que les vió conmigo y lo compró unos días después del festival.

Su álbum de debut This World And Body, como ya había comentado, prometía una existosa carrera a la banda aunque nunca dejó de tener el cartel de banda de reparto en el teatro del brit pop aunque llegarían al número diez en la lista de ventas británicas aquel 1995. El disco a mi me parece completísimo, desde el vertiginoso inicio con Fallen Through hasta la intensa My Children. En general el disco es muy fresco y con ritmos muy vivos como Sleep, que fue la primera canción que escuché de ellos, en la que me encanta el sonido de armónica que acompaña a la guitarra. Let’s All Go Together y Wait nos dan una pequeña tregua para retomar las intensas guitarras con The Only Way, canción arrolladora con unas guitarras que no dan tregua y un final de estos que te dejan con ganas de más, pero I Stopped Dancing lo retoma. En All For Love el grupo toma un aire estilo The Cure algo que también ocurre con el tema Vanessa. Otros de sus grandes temas del disco es Time que recuerdo que fue una de las primeras que tocaron en aquel concierto del Festimad y también destaco la brillante Toys For Boys. En el disco tambien hay espacio para un sonido más íntimo en Your Body Lies, preludio del final del disco.
Un magnífico disco que resulta ser una de esas joyas poco publicitadas del prolífico 1995.

Tracklist:

   1. Fallen Through - 3:45
   2. Sleep - 3:05
   3. Let’s All Go Together - 3:08
   4. Wait - 3:59
   5. The Only Way - 2:34
   6. I Stopped Dancing - 3:00
   7. All For Love - 3:56
   8. Toys For Boys - 3:07
   9. Time - 4:15
  10. Vanessa - 3:59
  11. Your Body Lies - 3:45
  12. My Children - 4:51

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Nota Allmusic.com: 3

Shed Seven - Change Giver (1994)

Shed Seven pertenece a una hornada de grupos que sin ser las caras principales del brit pop que establecieron los medios y/o las compañías discográficas (sobre todo fuera del Reino Unido), representan la esencia del sonido británico de los años noventa. Junto con ellos, Marion, Gene, The Bluetones o Whipping Boy entre otros representan este grupo que comentaba como si fueran unos lujosos actores de reparto. El estilo de Shed Seven se apoyaba fundamentalmente en un intenso sonido de guitarras y la también intensa voz del vocalista Rick Witter.
La primera vez que los escuché fuen en una de estas cintas que los amigos nos grabábamos variadas para que conociéramos nuestros últimos descubrimientos. En ellas grabábamos una o dos canciones de nuestros últimas adquisiciones y así fue como escuché el primer single de este disco, Dolphin.

Lo cierto es que cuando me grabaron en cinta Change Giver, lo estuve escuchando casi compulsivamente, o sea no salía de mi "walkman". Era el álbum de debut de la banda y desde el principio sufrió comparaciones de todo tipo, pero en particular se hicieron con Oasis y su primer álbum Definitely Maybe, ya que la trayectoria musical tenía similitudes y también por la profundidad del uso de las melodías de guitarra, pero en mi opinión, las canciones de Shed Seven tienen muchos más recursos y son capaces de crear pequeñas atmósferas estruendosas como en Dirty Soul, Casino Girl, o más etereas como en Mark y On An Island With You. Mis canciones favoritas son Speakeasy en la que me encantan los coros, la desesperada Missing Out y la enérgica Dolphin. También destacaría Head And Hands (You’re the greatest thing I ever saw) y la preciosidad melódica de Ocean Pie.

Es un disco que ahora me encanta rescatar de tanto en tanto y reescucharlo.

Tracklist: (todas las canciones escritas por Rick Witter excepto las así marcadas)

     1. Dirty Soul - 3:37
     2. Speakeasy - 3:19
     3. Long Time Dead - 3:50
     4. Head and Hands (Shed Seven/Johnson) - 3:58
     5. Casino Girl - 3:56
     6. Missing Out (Shed Seven/Johnson) - 3:12
     7. Dolphin (Shed Seven/Johnson) -     3:36
     8. Stars In Your Eye - 4:06
     9. Mark - 3:41
    10. Ocean Pie - 4:39
    11. On An Island With You (Shed Seven/Johnson) - 8:13

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Nota Allmusic.com: 4

Pulp - Different Class (1995)

Pulp es otra de las bandas que pertenecieron al movimiento brit pop y que alcanzó sus máximas cotas de popularidad al igual que el género, a mediados de los años noventa. Jarvis Cocker fue el líder de esta banda que nació en los años de instituto de los integrantes  en los que realizaban  composiciones experimentales inspirados en sus referencias musicales, como eran David Bowie, The Cure, The Beatles o The Kinks. Pero no sería hasta 1992 que con el cambio de discográfica y cuatro álbumes editados a sus espaldas, encontrarían el sonido y la estética adecuada que les llevó poco a poco hacia los primeros puestos de ventas del Reino Unido. El nombre de la banda se inspiró en el título de la película Pulp (Mike Hodges, 1972) interpretada por Michael Caine.
El nombre de la banda a principios de los noventa no me resultaba desconocido, pero no fue hasta la salida del single de este álbum, Common People que no les escuché y después hubo tiempo para hacerlo ya que el single fue todo un hit que sonaba en todas las emisoras y en muchos bares y ahora en 2010 está viviendo una segunda juventud gracias a un anuncio publicitario de la cerveza Voll-Damm. El caso es que luego fueron saliendo más singles que me gustaron y al final me grabaron el disco, que fue de esos que no gustan muchísimo de inmediato, lo hacen poco a poco, cada vez que los vas dando un oportunidad van calando más hondo hasta que se convierten en una pieza muy cotizada por mis oidos.

Si hay un disco representativo del brit pop, seguramente sea Different Class. El sonido de Pulp en este álbum es probablemente el que mejor describe el estilo que bullía en el Reino Unido aquellos años noventa. Su música se basa en melodías muy bien construidas, pegadizas y bailables pero con un sonido muy cuidado. Buena prueba de ello lo tenemos con el comienzo del álbum con Miss-Shapes con un ritmo que hace dificil estarse quieto. Pencil Skirt es como un impás antres de llegar el temazo Common People con el que también es imposible estarse quieto en el sitio. El contenido de la canción viene a criticar a las personas de alta alcurnia que tratan de parecer gente normal ("Gente común") y cuando algo va mal vuelven a sus pedestales. El siguiente tema me gusto mucho, no sé si se construyó como una broma o un homenaje al cine de espionaje, pero la canción parece sacada de una película de James Bond, el título I Spy lo dice todo. Disco 2000 es un tema bailable del estilo al que nos tienen acostumbrados y Live Bed Show un tema muy orquestado e intenso al igual que Something Changed con esos violines de acompañamiento. Sorted for E’s & Wizz cuenta una salida nocturna a una rave en la que el protagonista toma éxtasis (E’s) y Speed (Wizz) y la resaca del día después, una canción un tanto depresiva como los efectos a posteriori de la droga. F.E.E.L.I.N.G.C.A.L.L.E.D.L.O.V.E es una curiosa canción de amor pero muy buena con un sonido de teclado muy ochentero. Underwear es más pausada y Monday Morning más intensa habla de alguien que sin oficio y beneficio vive los fines de semana y el lunes sin nada que hacer. Bar Italia cierra el disco, con un homenaje a este famoso bar del Soho londinense.
Este disco con apenas quince años se ha convertido en un clásico.

Tracklist:

   1. Mis-Shapes - 3:46
   2. Pencil Skirt - 3:11
   3. Common People  - 5:50
   4. I Spy - 5:55
   5. Disco 2000 - 4:33
   6. Live Bed Show - 3:29
   7. Something Changed - 3:18
   8. Sorted for E’s & Wizz - 3:47
   9. F.E.E.L.I.N.G.C.A.L.L.E.D.L.O.V.E - 6:01
  10. Underwear - 4:06
  11. Monday Morning - 4:16
  12. Bar Italia - 3:42

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Nota Allmusic.com: 5

Blur - The Great Escape (1995)

Blur fue uno de los máximos exponentes del llamado brit pop que pegó tan fuerte a mediados de los años noventa en el Reino Unido y en general en Europa. Influenciados por bandas de los ochenta como Happy Mondays, James, The Stone Roses y The Smiths entre otros, significó el resurgir de las bandas británicas a nivel internacional, aunque en el mercado norteamericano les costó bastante dado que allí el sonido que triunfaba era más rockero que lo que sonaba por las islas. Blur sería de las pocas que lo lograrían, pero habiendo cambiado un poco de estilo, cuando el brit pop llegaba a su fin  y rectificar declaraciones que afirmaban que Blur era un grupo anti-grunge, aunque en ciertos aspectos no estaban tan distantes como ellos creían. Además de estas influencias, Blur siempre mantuvo a grupos de los años setenta como The Kinks o The Who como influencias importantes en sus composiciones.
La irrupción del brit pop provocó en aquellos mediados de los noventa un bombardeo de grupos que hasta la fecha o desconocidos o de nuevo cuño y aunque The Great Escape suponía el cuarto álbum de la banda, para mi eran completamente desconocidos y mi oportunidad de escucharlos fue en un Corte Inglés, cerca de la glorieta de Bilbao en una de esas máquinas que tienen las tiendas en las zonas de venta de discos en las que se puede escuchar las últimas novedades. Creo recordar que lo escuché casi entero y me gustó bastante, el recuerdo que tengo del momento es que me sonaron muy del estilo a The Smiths, aunque hoy por hoy volviéndolo a escuchar no encuentro tan evidente aquel parecido.

The Great Escape parece una evolución natural del álbum anterior, Parklife. Un disco fresco y animado en su sonido, aunque las letras tratan  mayoritariamente sobre sentimientos como la indiferencia y la soledad (¿quién hablaba de las temáticas grunge?) que experimentaba el líder Damon Albarn. En la actualidad Albarn reconoce este disco como el segundo peor de la banda, no por contenidos sino por ser un álbum desordenado, pero independientemente de esto yo creo que es un disco bastante agradable de escuchar, sin mayores pretensiones. Stereotypes abre el disco y le sigue la divertida Country House que sería la canción que abriría la "guerra" entre Blur y Oasis. Best Days es una canción íntima y a continuación una de mis favoritas, Charmless Man que la idea parte del famoso This Charming Man de The Smiths y fue el tercer y último sencillo del álbum tras lo que Albarn declaró que esa canción era el final de la fase brit pop de Blur. De hecho en este disco ya comienza a experimentar con distintos sonidos e instrumentos, por ejemplo Fade Away introduce trompetas, The Universal el sonido de violines, efectos electrónicos en He Thought of Cars o la locura de Ernold Same. Pero el disco contiene aún canciones tipicamente pops como It Could Be You (inspirada en la publicidad de la lotería inglesa), la vertiginosa Globe Alone y la animada Entertain Me. También destacaría Mr. Robinson’s Quango, por su letra ácida y corrosiva y la absurda Dan Abnormal (que es un anagrama de Damon Albarn). Un disco muy interesante que anunciaba la evolución musical del grupo hacia nuevos horizontes.

Tracklist: (todas las letras escritas por Damon Albarn)

   1. Stereotypes – 3:10
   2. Country House – 3:57
   3. Best Days – 4:49
   4. Charmless Man – 3:34
   5. Fade Away – 4:19
   6. Top Man – 4:00
   7. The Universal – 3:58
   8. Mr. Robinson’s Quango – 4:02
   9. He Thought of Cars – 4:15
  10. It Could Be You – 3:14
  11. Ernold Same – 2:07
  12. Globe Alone – 2:23
  13. Dan Abnormal – 3:24
  14. Entertain Me – 4:19
  15. Yuko and Hiro – 5:24

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Nota Allmusic.com: 4,5

Garbage - Garbage (1995)

El caso de Garbage es bastante insólito en el mundo de la música. La idea de montar el grupo surge de tres productores musicales que serían ellos mismos miembros de la banda; son Butch Vig (productor del Nevermind de Nirvana y muchísimos otros grupos norteamericanos), Steve Marker y Duke Erikson. Su deseo era de encontrar una vocalista para dar voz a sus trabajos y así llegó Shirley Manson, que tras escuchar Butch Vig su trabajo con el grupo escocés Anglefish, le solicitó una prueba y conseguiría el puesto, pero enseguida comenzaría a participar en las letras y las composiciones de las canciones de forma muy activa, convirtiéndose en la líder de la banda. El sonido de Garbage está muy cuidado, se nota que hay tres productores detrás que cuidan al máximo la calidad de la producción; Garbage será de los grupos pioneros en mezclar rock con música electrónica no de forma puntual, sino como seña de identidad, con la elegancia del sonido trip hop de grupos como Portishead o Massive Attack y la contundencia de las letras y riffs de grupos grunge.
Lo primero que escuché de Garbage fue la canción Queer por la radio y dado que empezaba a interesarme por el trip hop, la canción me llamó la atención por lo que fui buscando información de la banda y tratando de escuchar nuevas canciones. Después escuché el single Stupid Girl y definitivamente me hice con el disco.

En este disco de debut se aprecia claramente el gusto por la música electrónica de sus componentes, aunque también hay cabida para guitarras intensas que demuestran ese gusto por el rock garajero clásico americano. Supervixen abre el disco con un ritmo que se entrecorta, pequeños silencios sacuden al oyente entre notas electrónicas y más adelante con la entrada de las guitarras. Queer con un trip hop hipnótico está inspirada en una novela de William Burrows. Only Happy When It Rains fue el single que les dio el salto a la fama en la que se evidencia esa mezcla de rock y electrónica, en cambio As Heaven Is Wide explota aún más el lado electrónico del grupo y Not My Idea entremezcla un sonido pop con un toque de sonido industrial al estilo de Nine Inch Nails. A Stroke of Luck regresa al lado más trip hop de la banda. Mi favorita es Vow, oscura y vengativa en el texto pero musicalmente espléndida; fue el primer sencillo que editaron y tras ella otra gran canción, Stupid Girl que en los créditos del álbum se dio parte de la autoría a los componentes de The Clash, Joe Strummer y Mike Jones, dado que la canción usa un sample del tema Train in Vain de los británicos. Con Dog New Tricks vuelve la faceta más industrial de Garbage. My Lover’s Box sin embargo va más hacia el pop, pero volvemos con Fix Me Now a las mezclas equilibradas de electrónica y guitarras para acabar con los acordes y beats lánguidos de Milk Mezclados con la particular voz de Shirley Manson. Un disco para paladear tranquilamente en casa.

Tracklist:

   1. Supervixen – 3:55
   2. Queer – 4:36
   3. Only Happy When It Rains – 3:56
   4. As Heaven Is Wide – 4:44
   5. Not My Idea – 3:41
   6. A Stroke of Luck – 4:44
   7. Vow – 4:30
   8. Stupid Girl (Garbage, Joe Strummer, Mike Jones) – 4:18
   9. Dog New Tricks – 3:56
  10. My Lover’s Box – 3:55
  11. Fix Me Now – 4:43
  12. Milk – 3:53

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Nota Allmusic.com: 4,5