Foo Fighters - Foo Fighters (1995)

Foo Fighters nació como un proyecto personal y sin pretensiones comerciales de Dave Grohl, ex-batería de Nirvana, tras la muerte de Kurt Cobain. Ya durante los años de Nirvana, Grohl había mostrado inquietudes por escribir canciones, pero no las encontraba acordes al estilo que estaban usando en Nirvana y se limitó a escribir y grabar unas pocas copias para un cíurculo reducido de personas. Tras la muerte de Kurt Cobain en 1994 y la desolución de Nirvana, Dave Grohl continúo con la grabación de temas escritos por él y los grabó (tocando él todos los instrumentos) y repartió entre conocidos de nuevo, pero esta vez Eddie Vedder, cantante de Pearl Jam, filtró a alguna radio la grabación y el tema This is a Call empezó a escucharse en la radio. Esto le hizo a animarse a juntar una banda y comenzaría oficialmente la andadura de Foo Fighters como banda musical.
Mi primer contacto con ello fue con el videoclip de la canción Big Me, en lo que parecía una especie de parodia del anuncio de caramelos de la marca Mentos. El video era bastante divertido y la canción aunque bastante soft era agradable. Ya después escuché por la radio Good Grief y me interesé más por ellos y adquirí este disco.

Este primer álbum homónimo, a pesar de ser grabado casi integramente en exclusiva por Dave Grohl, alcanzó importantes cotas de éxito tanto en Estados Unidos como Inglaterra (aquí legó a alcanzar el número 3 en las listas de ventas). El sonido de la banda sería una evolución del grunge hacia lo que se ha denominado de forma genérica desde mediados de los ochenta como rock alternativo. En este caso en el origen del concepto, puesto que crearon su propio sello discográfico para publicar sus trabajos. La evolución que presenta respecto a su pasado grunge es fundamentalmente las letras de las canciones; atrás queda el tono pesimista y desolado y llegan letras frescas, divertidas y otras con mayor intención. This is a Call fue el primer éxito de la banda y es un grito de agradecimiento a toda la gente de la música que hizo ser quien es a Grohl. I’ll Stick Around me encanta, sobre todo su precipitado y contundente comienzo. La letra está dedicada a Courtney Love por las continuas disputas de derechos de la banda Nirvana; una de las partes del estribillo dice "I don’t owe you anything" (No te debo nada). Big Me es muy divertida, sobre todo el video, un poco beatleania. Otra de mis favoritas es Alone + Easy Target y es la que mayor sonido Nirvana tiene del disco. De hecho, Grohl la compuso en 1991 durante la gira de Nevermind y a Kurt Cobain le gustó mucho y le invitó a usarla y componer para Nirvana pero Grohl prefirió mantener su rol secundario y no saldría a escena hasta este disco de la nueva formación. Good Grief tiene un sonido más power pop y una letra más rabiosa. Floaty comienza como una canción acústica pero va adquiriendo tintes que recuerdan a Weezer. Weenie Beenie recupera ese espiritu grunge de la época de Bleach de Nirvana y Oh George se muestra melancólica con una melodía que me encanta. For All The Cows fue otro de los singles del álbum, combina una parte jazz con momentos realmente intensos. El final del álbum es potente, sobretodo con Wattershed y concluyendo con Exhausted que fue el primer single editado, también con claras influencias del grunge y ese característico sonido distorsionado que prevalece en toda la canción, como de interferencias.

Genial que Dave Grohl pasara a un primer plano del panorama musical, ya que la sombre de Cobain era larga, pero se ha ganado su importancia en la historia de la música alternativa.

Tracklist:

    1 This is a Call – 3:53
    2 I’ll Stick Around – 3:52
    3 Big Me – 2:12
    4 Alone + Easy Target – 4:05
    5 Good Grief – 4:01
    6 Floaty – 4:30
    7 Weenie Beenie – 2:45
    8 Oh, George – 3:00
    9 For All The Cows – 3:30
   10 X-Static – 4:13
   11 Wattershed – 2:15
   12 Exhausted – 5:45

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Otros:

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Nota Allmusic.com: 4

The Smashing Pumpkins - Siamese Dream (1993)

Otro de esos grupos que fueron catalogado dentro de la escena grunge debido a la época que le tocó vivir fueron The Smashing Pumpkins (anteriormente llamados sencillamente Smashing Pumpkins). Y aunque muchos puntos en común tenían con las bandas de Seattle, el sonido era algo distinto y este además fue evolucionando cada vez más, siendo más imperceptible y tenue cada vez el parecido. Su adhesión al "movimiento" grunge quizá fuera debido a su participación en la banda sonora de la película Singles (Cameron Crowe, 1992), pero en cualquier caso tuvo relación con aquella corriente musical, no solo por ser coetáneos sino a nivel de colaboraciones; lo hicieron con Pearl Jam cuando ambos fueron teloneros de Red Hot Chili Peppers y también telonearon a Jane’s Addiction. Su cantante Billy Corgan mantuvo relaciones con Courtney Love, cantante de Hole, y odiaba a Kurt Cobain de Nirvana porque le quitó a Courtney Love. A parte de todo esto su música es muy orquestada convirtiéndose en ocasiones casi en épica pura; más adelante comenzarían a usar elementos de música electrónica en sus canciones lo que les hizo evolucionar a un estilo casi propio.
A Smashing Pumpkins les conocí también en una de esas cintas que se rellenaban con canciones de otros grupos. Las dos canciones pertenecían a este álbum, Today y Disarm. Durante bastante tiempo fueron uno de mis grupos favoritos, aunque a día de hoy su escucha me resulta algo más costosa y depende un poco del estado de ánimo en el que esté ya que sus canciones son muy dadas a largos solos de guitarra con distorsiones y efectos.

La escucha de aquellas dos canciones me marcó, incluso para después ir aceptando nuevos estilos musicales que antes no escuchaba, creo que estas en cierto modo influenciaron. El CD de Siamese Dream cayó en las siguientes Navidades. Ya para entonces me lo habían grabado en cinta y conocía todas sus canciones y aunque hay canciones muy buenas mi favorita hoy por hoy sigue siendo Disarm, con ese sonido de campanas tubulares y esa épica voz de Billy Corgan aunque la letra fué polémica por ser tachada de pro-abortista, aunque esto Corgan siempre lo negó y afirmó que la letra refleja la relación con sus padres durante la adolescencia. Cherub Rock abre el disco y en ella muestran su decepción con las discográficas y con el panorama musical del momento, "todo por un poco de dinero" dicen. La decepción de Corgan se origina en lo poco que la discográfica promocionó su primer disco Gish, eclipsado por la aparición de Nirvana. Quiet también me gusta mucho, intensas sus guitarras aunque una letra por contra derrotista o conformista. Today es, sin embargo, una canción positiva y el videoclip también así lo sugiere. Hummer y Rocket son dos canciones de amor, la primera se pregunta por el amor verdadero, y en la segunda ve como positiva la ruptura "I shall be free" (Voy a ser libre), quizá tenga que ver con su relación con Courtney Love rota por la aparición de Kurt Cobain. Soma era una de mis favoritas del disco y en ella hace un paralelismo entre el amor y el opio. En la canción colabora Mike Mills de R.E.M. y el título hace referencia al nombre de la droga que aparece en la novela de Aldous Huxley, Un mundo feliz. Geek U.S.A. es también una de mis favoritas. La letra es también ambigua y hay interpretaciones relativas al consumo de drogas o la iniciación sexual de una adolescente; yo me decanto por esta segunda teoría. A partir de aquí el disco baja el ritmo intenso de las guitarras y se vuelve más melódico con la excepción de Silverfuck. Mayonaise, Spaceboy y Luna dejan a un lado los riffs de guitarra y predomina la melodía. Un final relajante.

Tracklist: (todas las canciones escritas por Billy Corgan excepto las así indicadas)

1. Cherub Rock – 4:58
2. Quiet – 3:41
3. Today – 3:19
4. Hummer – 6:57
5. Rocket – 4:06
6. Disarm – 3:17
7. Soma – 6:39 (James Iha y Billy Corgan)
   
8. Geek U.S.A. – 5:13
9. Mayonaise – 5:49 (James Iha y Billy Corgan)
10. Spaceboy – 4:28
11. Silverfuck – 8:43
12. Sweet Sweet – 1:38
13. Luna – 3:20

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Otros:

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Nota Allmusic.com: 5

Red Hot Chili Peppers - Blood Sugar Sex Magik (1991)

No todo lo que se estaba haciendo en Estados Unidos en los primeros noventa era grunge, que estaba muy localizado en en el noroeste del país con algunas excepciones. Otros grupos basaban su sonido en el funky como es el caso de Red Hot Chili Peppers, que empezaron ya a principios de los ochenta como una banda de instituto que se llamaba Tony Flow and the Miraculous Masters of Mayhem, aunque en un principio su estilo era más cercano al punk hardcore, pero Anthony Kiedis y Michael Flea no se sentían muy cómodos exclusivamente en ese estilo, así que tras una rotación de miembros encontraron gracias a su productor el estilo definitivo al que luego le fueron incorporando elementos, como el hardcore y el rap.
Desde el primer momento obtuvieron buenos resultados de venta y de crítica, el grupo era novedoso y sobretodo ofrecía muchos y buenos espectáculos en directo, aunque su area de influencia se limitaba a los Estados Unidos. No fue hasta 1991, momento en el que cambiaron de discográfica y de productor, Rick Rubin (productor de Beastie Boys)les dió mayor libertad creativa y esto les permitió dar el salto internacional. De hecho, yo les conocí por este disco, la canción Give It Away sonaba en todo los bares en esos años en los que llegaban las primeras salidas de fin de semana. Otra canción que recuerdo que escuché mucho fue Under The Bridge que una compañera en una excursión en autobus la ponía en un radiocassette portátil una y otra vez.

Desde el inicio de Blood Sugar Sex Magik con The Power of Equality se aprecia el sonido característico del bajo con ritmo funky si bien en este álbum se aprecian riffs cercanos al heavy metal, rapeos de voz y por primera vez baladas, el funky es la base central. La temática de los textos van desde las drogas y los problemas que han tenido con ellos, en concreto en el caso de Kiedis y Frusciante, este último dejó por un tiempo la banda debido a su adicción a la heroína, hasta el sexo en sus connotaciones más lividinosas. If You Have To Ask está en esta linea sexual, junto con Suck My Kiss, Sir Psycho Sexy o la que da título al álbum Blood Sugar Sex Magik. Breaking The Girl es la primera balada que escribieron y trata sobre las constantes aventuras amorosas de Kiedis y su malestar por verse incapaz de llevar una relación estable y duradera. I Could Have Lied es otra balada y Under The Bridge quizá la más famosa que en un principio no iba a entrar en el disco pero el productor encontró el poema escrito por Kiedis entre sus anotaciones. En un principio Kiedis no quiso convertirla en canción por ser "blanda" para lo que se suponía que eran RHCP pero Rubin insistió y los acordes frusciante los sacó enseguida y al final se convertiría en single y un exitazo para la banda. Give It Away fue el otro hit del disco que aún hoy suena en muchos bares los fines de semana. El resto de canciones tienen un poco de todo, canciones divertidas y absurdas como Mellowship Slinky in B Major, más existencialistas como Funky Monks o Naked in the Rain, dos de mis favoritas.

A propósito del boom del grunge en esos años en Estados Unidos, RHCP compartieron escenario durante la gira de este disco y entablaron amistad con alguno de los grupos más representativos del género. El grupo solicitó que les acompañaran en la gira The Smashing Pumpkins y Pearl Jam, ya que les habían escuchado y les gustaba su sonido. Ambos aceptaron, pero una vez iniciada la gira por U.S.A. y debido al éxito, los organizadores de tour pensaron en sustituir a Pearl Jam por un grupo más popular. Kiedis era amigo de Dave Grohl de Nirvana y les pidió que les acompañaran, Nirvana aceptó pero eso provocó también la salida de The Smashing Pumpkins, puesto que Billy Corgan había salido con Courtney Love (cantante de Hole y novia en ese momento de Kurt Cobain) y él no podía ni ver a Kurt Cobain. Después de estos lios la gira continúo con  Nirvana y fue un rotundo éxito.

Tracklist:

   1. The Power of Equality – 4:03
   2. If You Have to Ask – 3:37
   3. Breaking the Girl – 4:55
   4. Funky Monks – 5:23
   5. Suck My Kiss – 3:37
   6. I Could Have Lied – 4:04
   7. Mellowship Slinky in B Major – 4:00
   8. The Righteous & the Wicked – 4:08
   9. Give It Away – 4:43
  10. Blood Sugar Sex Magik – 4:31
  11. Under the Bridge – 4:24
  12. Naked in the Rain – 4:26
  13. Apache Rose Peacock – 4:42
  14. The Greeting Song – 3:14
  15. My Lovely Man – 4:39
  16. Sir Psycho Sexy – 8:17
  17. They’re Red Hot (Robert Johnson) – 1:11

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Nota Allmusic.com: 5

Temple Of The Dog - Temple Of The Dog (1991)

Temple of th Dog fue un proyecto liderado por Chris Cornell (vocalista de Soundgarden) junto con miembros de otras bandas de Seattle en homenaje al que fuera líder de Mother Love Bone , Andrew Wood fallecido por una sobredosis de heroína en 1990. En un principio el tributo iba a ser un single en el que participarían Cornell junto con ex-miembros de la banda de Wood, pero poco a poco se fueron sumando nuevas incorporaciones y en los ensayos fueron surgiendo nuevas canciones, por lo que al final el single se convirtió en un álbum. Los participantes al final serían Chris Cornell y Matt Cameron de Soundgarden, Stone Gossard y Jeff Ament de Mother Love Bone y Mike McCready y Eddie Vedder de Pearl Jam.
El nombre del grupo se debió a una estrofa de la letra de la canción Man Of Golden Words en la que se decía: "Let me show you something like joy inside my heart, seems i´ve been living in the temple of the dog" (Déjame que te muestre algo como la alegría en mi corazón, parece que he estado viviendo en el templo del perro). Una frase un tanto peculiar, cuanto menos...

En esos primero años 90 en los que el sonido Seattle irrumpió en mi vida, uno de mios deseos era localizar más grupos que hicieran ese sonido porque me encantaba. Recuerdo que en un directo de Pearl Jam que me regalaron estaban las canciones Hunger Strike y Wooden Jesus de las que pensé que eran versiones de alguna canción de Neil Young u otro artista (esos tiempos que no había Internet para comprobar información). Hablando con amigos, se comentaba algo sobre Temple Of The Dog, que era un grupo mezcla de varios pero ninguno sabía con certeza quienes eran y si tenían disco o solo canciones sueltas. Algunos meses después en casa de un amigo, revisando su colección de CDs lo vi y me lo grabé.
Es dificil encontrar este tipo de colaboraciones entre artistas de tan alta calidad y por una causa completamente filatrópica, ya que muchas veces los tributos se limitan o a revisar viejos temas del cantante desaparecido, a hacer duetos mezclados por ordenador o simplonas canciones a base de aparecer una multitud de artistas. Los componentes fueron creando estas 10 canciones a la vez que simultaneaban en paralelo con sus bandas. Pearl Jam estaba naciendo en ese momento y la colaboración de Eddie Vedder fue de última hora ya que acababa de llegar desde San Diego para hacer una prueba en vivo con los componentes de Pearl Jam, se unió a uno de los ensayos de Temple Of The Dog y hubo química entre Cornell y él por lo que definitivamente se unió para hacer los coros y ser el vocalista principal de alguna canción, como la estremecedora Hunger Strike. El sonido del álbum por contra no es un sonido puramente grunge sino que tiene varias influencias apreciables, como el rock sureño y el blues y todas las canciones son pequeñas joyas que después en el futuro los miembros del proyecto han ido incorporando a sus repertorios en directo de sus bandas. Tres canciones del disco fueron publicadas como singles, Say Hello 2 Heaven, la citada Hunger Strike y Pushin’ Forward Back. Una de mis canciones favoritas es la larguísima Reach Down aparte de los tres singles mencionados.

Una pequeña joya muy preciada por mi parte. Irrepetible.

Tracklist: (todas las canciones escritas por Chris Cornell excepto las que se indica)

   1. Say Hello 2 Heaven - 6:22
   2. Reach Down - 11:11
   3. Hunger Strike - 4:03
   4. Pushin’ Forward Back (Ament, Cornell, Gossard) - 3:44
   5. Call Me a Dog - 5:02
   6. Times of Trouble (Cornell, Gossard) - 5:41
   7. Wooden Jesus - 4:09
   8. Your Saviour - 4:02
   9. Four Walled World (Cornell, Gossard) - 6:53
  10. All Night Thing - 3:52

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Temple Of The Dog - Tribute, Temple Of The Dog - Wikipedia, Temple Of The Dog - MySpace

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Nota Allmusic.com: 4,5

Stone Temple Pilots - Purple (1994)

No absolutamente todas las bandas de grunge eran originarias de Seattle, aunque la mayoría y las que más nombre dieron al movimiento sí, pero algunas nacieron en otras partes del país donde el estilo (o moda, porqué no decirlo) se iba extendiendo. Este es el caso de Stone Temple Pilots que desde la otra punta de la costa pacífica (en concreto San Diego de donde también era Eddie Vedder de Pearl Jam) se convertirían en uno de los representantes del género foráneos a su ciudad de origen y con un éxito notable de público (que no de crítica) sobre todo con sus dos primeros álbumes. Este problema con los críticos se debió a que les acusaban de ser copias de Pearl Jam y de Alice In Chains pero el público no lo vió así y en una votación en la revista Rolling Stone quedaron como mejor nueva banda en 1992 (año de su debut con Core). Pero a partir del segundo álbum Purple la calidad de la banda fue decreciendo, todo mezclado con los problemas con las drogas del cantante Scott Weiland que no le permitirían centrarse en la banda y lo que provocaría la ruptura definitiva en 2001, aunque en 2008 volverían a juntarse pero hasta el momento sin publicar nada.
Yo les conocí como resultado de una de esas cintas incompletas que se rellenan con canciones de otros grupos. En este caso cupo casi todo el álbum Core que tenía canciones que me gustaron mucho, pero al poco tiempo sacaron este segundo disco que se lo compró un amigo, me lo grabó y me encantó de principio a fin (igual es repetitiva esta expresión, pero es así). En ningún caso me pareció una copia de ningún otro grupo y la voz de Scott Weiland me pareció muy personal e interesante.

En un principio, este segundo disco parecía no tener título, pero la gente lo llamaba Purple, que resulta ser el ideograma chino que aparece en la parte inferior izquierda de la portada. El disco tuvo un gran éxito desde el primer single Big Empty, que también aparecería en la B.S.O. de El Cuervo (Alex Proyas, 1994), Vasoline fue el siguiente con el que llegaron al número uno en las listas americanas y con Interstate Love Song batirían un record, durante quince semanas la canción estuvo en el número uno de las listas. El sonido de STP es puramente guitarrero con alguna influencia del rock sureño e incluso del country que son apreciables en el hit Interstate Love Song y las letras de las canciones en temática son similares al resto de grupos grunge aunque sus letras son algo más crípticas e impersonales, pero en general, la soledad y el desamparo son los temas principales. Aparte de los tres temas que fueron singles y que son auténticos temazos son destacables Lounge Fly, la intensa Still Remains (una de mis favoritas), la belleza acústica de Pretty Penny sobre una madre adolescente, la potente Unglued o la belleza e intensidad de Kitchenware & Candybars, mi favorita.

Otro de esos grandes discos de principios de los noventa.

Tracklist:

   1. Meat Plow - 3:37
   2. Vasoline - 2:56
   3. Lounge Fly - 5:18
   4. Interstate Love Song - 3:14
   5. Still Remains - 3:33
   6. Pretty Penny - 3:42
   7. Silvergun Superman - 5:16
   8. Big Empty - 4:54
   9. Unglued - 2:34
  10. Army Ants - 3:46
  11. Kitchenware & Candybars - 8:06

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Stone Temple Pilots - Oficial, Stone Temple Pilots - Wikipedia, Stone Temple Pilots - MySpace

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Nota Allmusic.com: 4

Alice In Chains - Dirt (1992)

Alice In Chains es el cuarto grupo que podríamos decir forma el poker de bandas grunge junto con Nirvana, Pearl Jam y Soundgarden. Originarios también de  Seattle comparten con Soundgarden un origen más cercano al heavy metal que Nirvana y Pearl Jam y además ofrecían la voz muy particular de Layne Staley, nasal pero intensa que a veces parecía titubeante pero enérgica a la vez capaz de provocar un efecto calmante sobre la dureza de las letras de las canciones que como era la tónica del grunge, eran fundamentalmente depresivas, aunque las de Alice In Chains más si cabe porque si bien las de otras bandas contaban historias sin personalizar demasiado, con algún tinte autobiográfico o basadas en sucesos ocurridos más o menos cercanos a ellos, las letras de Cantrell y Staley eran auténticos cantos a la autodestrucción que se estaban practicando por su adicción a las drogas, y además asumiendo y aceptando esa autodestrucción. Tras la muerte de la novia de Staley en 1996,  él se precipitó aún más en esa espiral autodestructiva no pudiendo seguir con su actividad musical por su estado físico. En 2002 le encontrarían muerto por una sobredosis de speedball.
Yo les conocí después de escuchar la banda sonora de la película Singles (Cameron Crowe, 1992) en la que abrían con la canción Would? de este álbum. La particular voz me encantó y la intensidad de los versos de la canción aún me estremecen y serían una premonición del triste final del cantante.

Dirt fue el segundo álbum y el que les lanzó al gran mercado internacional. El sonido del disco es el que caracterizaría a la banda, guitarras profundas, ritmos densos y melancólicos, acompañados de letras que fundamentalmente hablan del abuso de las drogas y de sus efectos aunque el resto de temas no son tampoco muy positivos, la muerte, la soledad... vaya, nada nuevo en el panorama grunge. Jerry Cantrell llegaría a decir que no quería dar la impresión de que las drogas le daban lucidez para escribir las sensaciones que experimentaba y hacer creer que era algo positivo, ya que solía escribir durante los viajes entre concierto y concierto en momentos de auténtica lucidez. Sickman, Junkhead, Dirt, God Smack, Hate to Feel y Angry Chair son las canciones con la droga como tema principal, aunque hay más temas, Them Bones habla de la mortalidad y el miedo a lo desconocido, a convertirse en un saco de huesos, Rooster está dedicada al padre de Cantrell que estuvo en la Guerra de Vietnam. Down in a Hole, a pesar del título es una impactante canción de amor dedicada a su mujer con la que estuvo muchos años. Una de mis favoritas sin duda junto con Would?, canción dedicada al cantante de Mother Love Bone, Andrew Wood que murió por sobredósis de heroína en 1990.

Al fin y al cabo son muchos los músicos que mueren por culpa de las drogas y no será por falta de información o de antecedentes, pero en un mundo tan estrechamente ligado (el de la música) con las drogas, seguramente se debe ser extraordinariamente fuerte, puesto que cuando no te ofrece uno, lo debe de hacer otro y si se muestra un poco de debilidad, se recae siempre hasta el final. Aparte de estos asuntos, el disco es estremecedor.

Tracklist:

   1. Them Bones (Cantrell) - 2:30
   2. Dam That River (Cantrell) - 3:09
   3. Rain When I Die (Cantrell, Kinney, Staley) - 6:01
   4. Down in a Hole (Cantrell) - 5:38
   5. Sickman (Cantrell, Staley) - 5:29
   6. Rooster (Cantrell) - 6:15
   7. Junkhead (Cantrell, Staley) - 5:09
   8. Dirt (Cantrell, Staley) - 5:16
   9. God Smack (Cantrell, Staley) - 3:50
  10. Iron Gland (Staley) - 0:43
  11. Hate to Feel (Staley) - 5:16
  12. Angry Chair (Staley) - 4:47
  13. Would? (Cantrell) - 3:28

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Nota Allmusic.com: 4,5

Soundgarden - Superunknown (1994)

El tercer grupo más relevante del sonido Seattle que salió fue Soundgarden. La banda liderada por Chris Cornell llegó al éxito un poco más tarde que las dos principales del género, pero no tardaron en equipararse en importancia, ademas Cornell ya había colabaorado con miembros de Nirvana y Pearl Jam anteriormente pero la esencia original de Soundgarden estaba más próxima al heavy metal (sus influencias más importantes fueron Led Zeppelin y Black Sabbath) que al punk rock. De hecho sus primeras grabaciones les valieron nominaciones a los premios Grammy en ese género, pero el hervidero musical que se estaba viviendo en Seattle hacía que la tendencia de los grupos la final fuera en una dirección, aunque muchas de ellas tuvieron matices diferenciantes no en cuanto a las temáticas de las canciones, pero sí en las composiciones y en los sonidos. La primera aproximación clara al grunge sería con el álbum Bad Motor Finger que tuvo la "desgracia" de salir casi a la vez que Nevermind de Nirvana y Ten de Pearl Jam que coparon las radios americanas y europeas de 1991. No sería hasta tres años después que adquirirían el protagonismo que merecían y es que Cornell hizo mucho por este movimiento pero no terminaba de ver recompensada su labor. A partir de Superunknown la cosa cambiaría, aunque el destino de la banda estaba maldito y solo grabarían un disco más.
Yo les conocí, como no, a través de la radio pero no recuerdo en que programa de Radio 3 y al igual que con Nirvana, la primera canción que escuché no fue el primer single, fue Fell On Black Days que más tarde sí saldría como single y algunas cadenas norteamericanas la incluyeron en su lista de canciones antiamericanas tras los acontecimientos del 11-S. Absurdeces aparte, me encantó el tono triste y desalmado de la canción roto en ocasiones por gritos de desesperanza de Cornell. La letra habla de como la vida puede pasar de ser estupenda a terrible por un determinado acontecimiento, ya me diréis donde está el antipatriotismo, a parte de hablar de que la vida no es siempre de color rosa.

Como decía, Soundgarden tenía una característica diferencia apreciable en este disco y es su gusto por el heavy metal y además introduce en este álbum algunos temas con toques psicodélicos y con sonidos próximos a Oriente Medio e indús. De hecho Ben Shepherd nació en Japón y Kim Thayil es de origen indú y uno de los miembros fundadores Hiro Yamamoto era japonés por lo que la banda siempre estuvo abierta a estos sonidos.

Las canciones como dictan los cánones del grunge, oscuras y pesimistas; la derrota, la depresión, el abuso de drogas son los temas que prevalecen. El álbum arranca con Let Me Drown que el título ya lo dice todo (Dejad que me ahogue), alguien que lo ha perdido todo y se conforma es el protagonista de la canción en la que la música suena rallante y opresiva como si estuvieras debajo de un coche con el motor en marcha. My Wave nos trae el sonido clásico de la banda, guitarras profundas y pequeños cambios de ritmo constantes a la que sigue la ya comentada Fell on Black Days que también contiene el clásico sonido de la banda. Mailman es intensa y pesada sonoramente y Superunknown vuelve a las raices del grupo de sus primeras grabaciones eu una canción denunciando la ignorancia y la apatía por el conocimiento. En la desedperada Head Down cantada por Shephard encontramos ese toque psicodélico con toques orientales que también encontraremos en Half. Los dos grandes éxitos de la banda fueron Black Hole Sun que también pasó a una lista de canciones inapropiadas de las radios americanas y Spoonman, el primer single del álbum con un estilo más próximo a los anteriores discos y dedicada a un artista callejero de Seattle que interpretaba canciones con un repertorio de cucharas (Spoonman = Hombre Cuchara) que colaboró con ellos en la grabación y en el video de la canción. El resto de canciones mantienen el estilo profundo y denso que supone el estilo adoptado de la que son muy destacables mi favorita The Day I Tried to Live en la que la letra esta vez es un canto a olvidar la introspección y vivir la vida de forma abierta y la única que rompe el ritmo del disco Kickstand, en la que dan un giro a su estilo y hacen una canción más rock’n roll. También 4th of July es todo un clásico de este álbum, un disco denso e intenso para escuchar tranquilamente.

Tracklist:

1. Let Me Drown (Chris Cornell) – 3:51
2. My Wave (Cornell, Kim Thayil) – 5:11
3. Fell on Black Days (Cornell) – 4:42
4. Mailman (Matt Cameron, Cornell) – 4:25
5. Superunknown (Cornell, Thayil) – 5:06
6. Head Down (Shepherd) – 6:08
7. Black Hole Sun (Cornell) – 5:17
8. Spoonman (Cameron) – 4:06
9. Limo Wreck (Cameron, Cornell, Thayil) – 5:47
10. The Day I Tried to Live (Cornell) – 5:19
11. Kickstand (Cornell, Thayil) – 1:33
12. Fresh Tendrils (Cameron, Cornell) – 4:16
13. 4th of July (Cornell) – 5:08
14. Half (Ben Shepherd) – 2:14
15. Like Suicide (Cornell) – 7:01

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Soundgarden - Oficial, Soundgarden - Wikipedia, Soundgarden - MySpace

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Nota Allmusic.com: 5

Pearl Jam - Ten (1991)

Pearl Jam es probablemente junto con Nirvana el grupo más importante que dió a luz el grunge. De hecho yo particularmente escuché antes a la banda de Eddie Vedder que a la de Kurt Cobain en un programa de radio, por lo que para mi la novedad vino de la mano del single Alive de Pearl Jam.
La banda se formó de las cenizas de varios grupos anteriores de la escena musical de Seattle y es curioso leer como todos o casi todos los componentes de las bandas que llegaron al estrellato (los ya mencionados Nirvana, Soundgarden, Mother Love Bone o Mudhoney por citar unos pocos) habían colaborado de una forma u otra entre ellos. Sin embargo Eddie Vedder llegaría desde San Diego gracias a que el ex-batería de Red Hot Chili Peppers Jack Irons envió una cinta a su compañero de baloncesto Vedder para que le pusiera voz a tres canciones a modo de prueba. La leyenda dice que las letras de Alive, Once y Footsteps se le ocurrieron surfeando, pero el caso es que el resultado les encantó al resto de la banda y Vedder viajó a Seattle para instalarse y hasta hoy ser la voz de la banda. En un principio la banda se llamó Mookie Blaylock como el jugador NBA de Atlanta Hawks y debutaron apadrinados por Alice in Chains con ese nombre, pero por miedo a posibles problemas de derechos de imagen, decidieron cambiar su nombre a Pearl Jam del que también hay varias versiones de su origen, desde la desmentida de que era en recuerdo de la bisabuela de Eddie Vedder que fabricaba una especie de mermelada de peyote a la más fiable que fue durante una Jam de Neil Young (del que se declaraban grandes admiradores) en la que surgió el nombre de Pearl.

Debido a este cambio de nombre, decidieron titular Ten a su álbum de debut en honor a su primer nombre y es que dorsal con el que jugaba Blaylock en los Hawks era el 10.
El disco responde a las temáticas genéricas que estableció el grunge, pesimismo, aislamiento, etc. y el disco en particular trata temas como la depresión, el suicidio, el aislamiento y el asesinato pero a diferencia de Nirvana, en las notas se escucha la influencia del rock clásico como el de Jimi Hendrix. Once abre el disco tras una pequeña introducción instrumental con fuerza y cuenta la caida de un hombre en la locura "Once upon a time I could control myself", le sigue Even Flow en la que es apreciable el sonido del bajo de fondo que le da un toque ligeramente funky y en la que la soledad y el desamparo es la temática de la canción. Alive es seguramente su canción más emblemática, es en parte autobiográfica ya que cuenta como una madre revela a su hijo que su auténtico padre ha fallecido y el que ha conocido no lo es y además trata una relación incestuosa entre la madre y el hijo por el parecido físico con el verdadero padre. El sólo de guitarra del final de la canción es espectacular. Why Go es también una canción muy enérgica en la que habla del consumo de drogas y las reacciones de los padres en ocasiones desmedidas ante un único cigarro de marihuana. Black es una  excepcional balada de desamor también con tintes autobiográficos de Vedder. Otra de las grandes y emblemáticas canciones de Pearl Jam es Jeremy, basada en un hecho real que conmocionó a Eddie Vedder, el suicidio de un muchacho de 16 años delante de sus compañeros de clase disparándose en la boca. La letra critica la falta de atención de padres y profesores en niños que sufren acoso escolar. Oceans es la canción más tranquila del disco inspirada en una de las aficiones de Vedder, el surf; una oda de amor a su tabla de surf. Porch es de mis favoritas, sobretodo cuando al tocan en directo, con un solo enmedio de la canción que alargan mucho en directo. Llega el tramo final del disco con dos de las canciones más oscuras, Garden y Deep hacen refrencia a la muerte y al suicidio y finaliza con Release, canción con la que les suele gustar abrir los conciertos es una especie de carta abierta a su padre fallecido intensa pero que va relajando el tono general del disco para finalizar.

Como se puede comprobar, cuando alargo los artículos es un claro síntoma de mi admiración por el álbum, una espléndida obra maestra.

Tracklist:

   1. Once (Vedder, Gossard) - 3:51
   2. Even Flow (Vedder, Gossard) - 4:53
   3. Alive (Vedder, Gossard) - 5:40
   4. Why Go (Vedder, Ament) - 3:10
   5. Black (Vedder, Gossard) - 5:43
   6. Jeremy (Vedder, Ament) - 5:18
   7. Oceans (Vedder, Gossard, Ament) - 2:41
   8. Porch (Vedder) - 3:30
   9. Garden (Vedder, Gossard, Ament) - 4:58
  10. Deep (Vedder, Gossard, Ament) - 4:18
  11. Release (Vedder, Gossard, McCready, Krusen) - 8:30

Enlaces generales:

Pearl Jam - Oficial, Pearl Jam - Wikipedia, Pearl Jam - MySpace

Enlaces del album:

Last.fm, Spotify, Grooveshark

Otros:

Allmusic Review, Ten - Wikipedia

Nota Allmusic.com: 5